El lobo

(Esto viene relacionado con este post de Sebaxxx, y sirve de intro, asi que estaria bueno que lo lean antes de leer este).

No pensaba escribir nada en estas vacaciones, pero vi un intento de manipulación mediática tan tosco que no me resistí a escribir sobre él.

Ayer en el programa Buscadores de Canal 5, Miguel Nogueira recogía esta noticia del sitio web de Infobae. Nogueira la mostró al pasar (torciendo su laptop hacia la cámara) y sus comentarios fueron algo así como: “es increíble como en Argentina se permitan aun manifestaciones neonazis como esta. Que haya gente como esta que salga a manifestar con una esvástica a la calle así como si nada y sin que nadie lo impida”. No es textualmente lo que dijo, incluso tiró un par de frases mas, pero fue resumidamente mas o menos lo que dijo y creo estar reproduciendo fielmente el concepto central de lo que transmitió.

Tal como decía sebaxxx, la nota “Una amenaza nazi se repite sin que nadie intervenga” es parte una evidente de la campaña de muchos medios para crear la ilusión de que un rebrote antijudio (que ellos llaman antisemita) en la población, como manera de cortina de humo que tapar las atrocidades que están haciendo los actuales usufructuadotes del Estado Israelí con la población Palestina de la franja de Gaza y al mismo tiempo tratar de disfrazar cualquier cuestionamiento hacia esos actos del Estado israelí agitando el viejo cuco nazi (táctica que de tanta veces usada ya esta perdiendo efectividad, tal como le pasó al pastor de la fábula que se pasaba anunciando un lobo que finalmente nunca llegó).

Repito que Nogueira hizo este comentario muy al pasar, y no le dedicó al asunto mas que veinte segundos. De esos veinte, durante aproximadamente dos segundos mostró una foto de la supuesta manifestación neonazi, que pese a que estuvo brevemente en cámara, varias cosas me llamaron la atención en ella. Fui a Internet y la busque para verla mejor y aquí esta foto en cuestión:

Womanizer

You say i`m crazy
I got you crazy

Lamento no tener actualmente mucho tiempo para poder escribir aquí mas frecuentemente. Muchos potenciales post quedan inconclusos porque tardo tanto en terminarlos que a la hora de publicarlos ya perdieron actualidad. El año pasado estuve a punto de escribir un post sobre Britney Spears en el mismo momento que vi el video Gimme More. El video era el primer corte promocional de Blackout, el disco que Britney sacó en medio del ojo de la tormenta en su supuesto año de crisis y decadencia.
Sé algo de como funciona la industria del entretenimiento en Estados Unidos y estoy convencido que un video tan feo y grasa como el de Gimme More no llega a ver la luz publica antes de pasar por una cantidad enorme y exagerada de filtros. No digo que haya sido a propósito, pero por lo menos un par de ejecutivos de Sony hicieron la vista gorda y dejaron que ese video digno de una imitadora suya clase Z de un país del Tercer Mundo llegase a las pantallas. Y como no lo iban a hacer si era tan decadente que encajaba perfectamente con el hipotético problemático momento de la cantante.
Ok, ya dije “supuesto” e “hipotético” así que dejo de hacerme el gil y voy grano. Es imposible saber si todo esto Britney durante el 2007 fue un montaje o no, pero en el supuestamente peor momento de su carrera Spears era uno de los ejes claves que hacían girar la industria del entretenimiento en Estados Unidos y logró mantener todo un negocio multimillonario alrededor de su figura y supuesta vida privada (lo de supuesta va no tanto porque sea verdadera o no sino porque difícilmente pueda ser calificada de privada). Era imposible no encontrarse con ella en la televisión o las revistas dedicadas al shobizz y prácticamente todos los humoristas (o aspirantes a) se cansaron de hacer chistes sobre ella. Britney Spears durante el 2007 fue lo mismo que fue siempre: una maquina de hacer dinero. ¡Como no la van a aplaudir de pie en los MTV Music Video Awards si mantuvo a la industria del entretenimiento funcionando durante todo 2007!.
Pese a esta “decadencia” Gimme More fue su sencillo mas exitoso desde Baby one more time, solo superado recientemente por el nuevo Womanizer. Si te sigue por promedio 1000 parapazzis por día y la Associated Press declara que todo lo que haces debe ser considerado noticia es difícil tener una vida normal. Britney Spears es tan mediática que sus canciones ya casi solo hablan de eso. En realidad da lo mismo que tan planeado o real haya sido su año de crisis, pero en los hechos funcionó como tal y sirvió para que la industria del entretenimiento anglosajona practicase uno de sus mécanismos de promoción favoritos: el Comeback (cuyas posibles relaciones con preceptos religiosos deberían analizarse). A esta gente le encanta hundir figuras para resucitarlas luego, purificadas y renovadas. Eso se venia venir en el mismo momento en que la sureña pelada reventaba su paraguas contra el auto de sus padres y eso quería decir en el post que nunca escribí el año pasado.

el fascinante mundo de la censura (segunda parte)

Si el tipo de censura que ejerce una sociedad (o autoridad dentro de una sociedad) nos puede decir algo sobre esa misma sociedad; ¿Qué podemos aprender del siguiente caso de censura?
El año pasado salió en Europa Oriental Beliy Plaschik, el single adelanto del tercer disco de t.A.T.u. El video que promociona la canción sigue en la habitual línea provocadora del universo y estética de la banda. Vean:

Como habrán visto a las chicas se las ve muy sexys (sobretodo a Yelena). Hay incluso desnudos, tiene una historia bastante shockeante y un desenlace visualmente violento, con una secuencia final donde Yelena da la orden de fusilar a Yulia, que se encuentra con avanzado embarazo (real, ya que en ese momento se encontraba embarazada de su segundo hijo). Yelena hace de militar, pero el principio del video se la muestra con otro look totalmente diferente (¿puta?), que indican que esta llevando una doble vida. Una doble vida que no encaja nada bien con la moral que parece tener que predicar en su vida militar.
Otro detalle violento es que el fusilamiento parece ser parte de un show privado de un grupo de ¿burgueses?/¿aristócratas?/¿millonarios? que observan todo desde una distendida cocktail party que están teniendo en las gradas de ese centro militar. Si, además, seguimos la narrativa del universo de la banda se puede presumir fácilmente que los personajes que interpretan las chicas son ex amigas o ex amantes, y que la ejecución de Yulia se puede deber a hizo volar por los aires con una explosión a su secundario en una violenta rabieta por celos (averigüen sobre la trilogía de los primeros videos de t.A.T.u si quieren saber mas de esto).
Esta es la versión sin censura del video, que prácticamente solo existió en youtube y en el dvd del maxi, ya que muy pocas cadenas de televisión aceptaron pasarla. Para la televisión tuvieron que hacer otra versión. Observemos las diferencias:

La primera diferencia que se puede apreciar (ademas de que es otra version de la canción y la primera esta mas buena) es que a las chicas no se las ve tan despojadas de ropa. Siguen estando sexys, pero las tomas con desnudos o demasiada sugerencia se eliminaron.
Lo curioso es que la escena por lejos mas fuerte del video original, el fusilamiento Yulia embarazada, sigue prácticamente igual en esta versión del video “para toda la familia”. Digo “prácticamente” porque fue evidentemente re editada con algunas diferencias. Bah, hay una diferencia notoria: la ejecución se hace un ámbito privado, los burgueses que enfiestados observaban la ejecución como si fuese en entretenimiento desaparecieron.

Bueno, ¿qué nos dice entonces este ejemplo de censura sobre sociedad actual?.
Primera colusión: la desnudez no es aceptable. Sexy si, pero pezones no. Nada raro teniendo en cuenta que en EE.UU. se han logrado censurar los pezones de las revistas dedicadas a mujeres embarazadas y madres de bebes pequeños, entre otros episodios ridículos de censura.
Esto en realidad no nos dice nada nuevo o sorprendente sobre el mundo actual. Lo que sí llama la atención, es que mientras algunas partes del cuerpo son censurables, la imagen de la ejecución de una mujer embarazada haya quedado intacta. Esto tampoco taaan raro teniendo en cuenta que la industria del entretenimiento actual parece tener sus manuales inspirados en una mezcla de Grand Guignol, Circo Romano y Freak Show.

(¿Lo violentamente morboso es aceptable, el sexo no, algo parecido a la Edad Media no?).

Lo que si nos dice algo (creo) es la desaparición del grupo de burgueses que miraban la ejecución. Es decir, mostrar una ejecución de embarazada como entretenimiento es aceptable, pero mostrar que es un entretenimiento no. Se puede, pero no digamos que se puede. Si pero no. Otro aporte para nuestra ezquizofrenica sociedad actual.

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Hace unos meses leía en una entrevista a Bruce Springsteen una idea que me pareció interesante. Refiriendose a como lograr un hacer un buen show de rock n roll, lo cito:

“Para hacerlo bien, tienes que retener en tu cabeza dos ideas contradictorias todo el tiempo hasta él ultimo momento antes de salir tocar. Tienes que decir: `Ok, voy a hacer una de las cosas más importantes que puedo imaginar que existen en el universo´ y al mismo tiempo:`Es solo rock n roll; ojalá salga un buen show y la gente se vaya contenta a su casa´. Siempre trato de mantener esas dos ideas en mente y, populista o no, mi trabajo es tratar de demostrártelo. Es llegar a ese punto en que logramos transmitir algo y atrapando a la audiencia, preferiblemente del cogote”.

Retener dos ideas contradictorias en la cabeza.

Pensé inmediatamente que ese concepto se puede extender desde este ejemplo concreto a toda la actividad de creación artística en general. Me da la impresión de que siempre se trata de encontrar una cierta armonía y conciliación entre dos extremos aparentemente irreconciliables. Como dice El Jefe, se trata de la actividad más trascendente posible y al mismo tiempo uno debe tomárselo de manera relajada para no perder espontaneidad, naturalidad o simplemente el espíritu de entretener y entretenerse.

Otros ejemplos de conciliación entre ideas contradictorias pueden ser los siguientes:
-Tiene que haber conciliación ente tratar de ser universal y al mismo tiempo pertenecer y decir algo sobre el mundo inmediato que a uno lo rodea (lo local).
-También uno debe pertenecer a su tiempo, decir algo sobre la época en que esta viviendo. Pero como bien se sabe, generalmente las grandes obras de arte tienen algo que las hace trascender a su época y convertirse en eternas.
-Como bien se sabe es muy difícil lograr algo interesante siendo innovador en todos los planos de una obra. Uno debe mantener algo que posibilite un dialogo con la audiencia, por lo que debe haber un equilibrio entre previsivilidad y sorpresa. Para usar un ejemplo mas concreto, en cine uno puede utilizar reglas de género (lo que posibilita ese con la audiencia) pero al mismo tiempo no dejarse aprisionar por ellas (porque convertiría al filme en algo previsible y aburrido). Esto esta relacionado con otro asunto: por mas que uno quiera ser innovador en una disciplina, siempre, de alguna manera, debe mantener algún contacto con las raíces de la disciplina que esta practicando.
En cierta forma aquí suele jugar un papel la eterna relación amor / odio entre forma y contenido, sirviendo de posible balance entre los dos polos contrarios. Por ejemplo, una obra puede ser localista en sus contenidos pero universal en su forma. O innovadora en lo formal pero tradicional en el contenido. Estoy pensando en voz alta esto es un blog.

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Discos tan hermosos que son conmovedores: Vintage violence, Slow daze, Paris 1919, Helen of troy (todos de John Cale), Panic in babylon (Lee Perry) Nothing Is, Stranqe Celestial Road (los dos de Sun Ra). Discos feos: Laibach y su versión completa del Let it be (lo único hermoso ahí es la versión de across the universe, el resto solo vale por el chiste. Si quieren algún bueno de los eslovenos háganse con Opus Dei (su mejor disco) o Wat (el mejor de los recientes). Si nos ponemos todos de acuerdo llegará la paz. Pappo siempre tiene razón. Yo no digo de terminar con las categorias/reglas, lo que digo es: porque seguir usando la categoria que inventó un salame hace mil años?. La vocación universalista y abarcativa de los concursos televisivos de preguntas hace que las preguntas sean cada vez más chotas. TODOS TIENEN QUE PARTICIPAR CON SU MENSAJE DE TEXTO, así que no vamos a preguntar nada complicado, preguntemos con que comen los chinos, y para hacerla más fácil pongamos un múltiple choice (tenedores, cucharas o palitos?). Todo Black Box Recorder estaba (y mejor) en The Shangri-las. Seguro que ya lo viste en youtube pero bajate el mp3 de acá así podes tener el mejor momento musical de lo que va de siglo en tu reproductor de música portátil. Vas a levitar. Happiness is a warm gun. Cuando aparece una sex tape de una celebridad: ¿Cual es la noticia?. ¿Que la persona en cuestión tiene vida sexual?.

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Una de los asuntos públicos que más me llamaron la atención en las ultimas semanas fue el mini-revuelo que se hizo al haberse descubierto que en la ceremonia inaugural de los juegos olímpicos de Beijing algunas cosas no eran lo que parecían. Los servicios noticiosos occidentales montaron un escandalete acerca de que los fuegos artificiales del principio de la ceremonia habían sido generados por computadora y que la adorable niña que cantaba en realidad hizo playback y la verdadera niña estaba escondida por ahí atrás.
Muchachos: era una puesta en escena, no un documental.
Si hay algo que confirma este asunto es que este tipo de ceremonias se han convertido con el paso del tiempo mas en eventos mediáticos mas que en eventos dirigidos al puñado de personas que tienen la oportunidad de verlo en vivo. Así que no veo el problema de poner elementos que solo se vean en la transmisión televisiva. Es un espectáculo, un montaje, NO EXISTE. Además, cualquier persona que conozca la obra de Zhang Yimou (encargado de todo esto) sabría que no iba a dejar que una niña con dientes torcidos fuese la encargada de cantar en ese momento. Suena cruel pero es la verdad. No poco medios hablaron de discriminación. Dios. Seria lo mismo acusar de discriminación a quien elige a George Clooney o Brad Pitt para protagonizar una película de Hollywood y no al almacenero de la esquina. Es ridículo.

Noticieros occidentales quejándose de un montaje. Por dios, lo único que faltaba.

Era de la idiotez indie (II)

Tengo amor, fascinación y dependencia con la música pop. Una canción pop, en el momento justo, hace bien. Pone todo en su lugar. Puede cambiar toda la perspectiva en un día que viene siendo horrendo. Y a menos que sea de Maná, una canción difícilmente puede arruinarte un día entero. A lo sumo pasar un mal rato[1].
Nunca creí que la música pop fuese tan inocente como pretende aparentar. No hay terreno neutral el universo y no existe música totalmente apolítica. Y si bien en general la música pop esta generalmente asociada a fines horrendos en este nivel, hay gente que carga a la música pop con culpas solo atribuibles a verdaderos Ejes del Mal como Monsanto, Microsoft o Berlusconi.
Los últimos meses adopté la afición de conocer que canciones están encabezando los rankings en diversos países. Es así que conocí “I know UR girlfriend hates me” de la noruega Annie, la canción del momento en su país natal y seria candidata canción del (recién comenzado) verano en Europa.










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La canción no tiene nada sorprendente ni innovador, pero es un pegote mental instantáneo. Me gusta. No tenia idea de la existencia de esta chica (sisisi, ya sé que vos si) pero una breve y rápida búsqueda de información me brindó un dato que en ese momento me pareció interesante. En los tiempos de su álbum debut (Anniemal, 2004) la chica tuvo bastante apoyo de la comunidad indie, y fue, efusivamente hypeada por Pitchfork. Si bien el video de I know UR girlfriend hates me era propio de cualquier diva teen pop, por alguna extraña razón Anniemal recibió criticas elogiosas en todo el mundo y se la solía señalar como un extraño caso de credibilidad artística dentro de la música pop. Annie es una cantante pop indie-friendly, “A Kylie it`s cool to like”, “Es pop, pero no es como Britney Spears”.
Como la experimentación en el ámbito música pop es uno de mis fetiches, decidí bajarme Anniemal rápidamente, esperando encontrar un disco por lo menos interesante.
Fue toda una decepción. La pretendida diferencia no existe. Este disco no tiene absolutamente nada de diferente a un disco contemporáneo pop común y corriente. De hecho, es bastante mas conservador y previsible que gran parte de la obra de Kylie Minogue, Madonna, Britney Spears, o Sugababes. Todas ellas tienen temas que son Einsturzende Neubauten al lado del tema mas arriesgado de Annie. T.A.T.U. es Throbbing Gristle. No me refiero al ruido, me refiero a intensidad y riqueza de ideas. Y no sigamos con equivalencias a música pop de otras épocas porque la pobre Annie va a quedar al nivel Lourdes. Anniemal (4 estrellas y media en allmusic) tiene largos pasajes de una chatura y previsibilidad de recursos que lo vuelven aturdidoramente aburrido.
¿Por que la Pitchfork se excitó con esta chica y rara vez reconoce meritos o siquiera trata a todas las chicas de la lista anterior?. ¿Por qué gran parte de la comunidad indie se niega a escucharlas de plano y pierde el tiempo babeándose con Annie?.
La respuesta es simple: son bobitos. Pero no solo, también son humanos, y como todos los humanos viven en un universo de representaciones. No les gusta Annie por lo que es, sino por lo que connota.
Por alguna misteriosa razón, en la comunidad indie algunos países son mas cool que otros. Basta ver la adoración instantánea por cualquier cosa que salga de Islandia. Ser escandinavo es un misterioso plus.
Annie no es ninguna nena. Por lo que no tiene ese tufillo a teen music que los indies tanto detestan. Porque claro: la música por o para adolescentes siempre es horrible e inocua.
Annie no es negra y no tiene ningún rastro de hip hop demasiado evidente.
Ser desconocido para la mayoría de la gente es un plus. No importa que la música de Annie sea mas chata que la de Britney. A Britney a la conoce hasta el portero, a Annie la conocemos solo yo y mis selectos contactos del messenger. Al no ser algo masivo se consume sin culpa.
Annie compone la gran mayoria de sus canciones. Trabajar con compositor no esta bien visto.
Como casi toda la música hypeada por la comunidad indie, la música de Annie carece de toda ambición o riesgo. Es modesta, segura y no quiere afectar a nada ni nadie.
En definitiva, es una visión tan llena de prejuicios como cualquier otra. Y cabe aclarar para no caerle solo a unos pocos, que en cada subcultura dentro del rock hay prejuicios iguales.
Bueno perdón es que me que posteaba encima

Aquí esta el coreografiado video de Annie:




[1] Pero Maná no es pop. En todo caso Maná es lo que era The Police un par de décadas atrás: la banda pop para el músico virtuoso medio uruguayo. “Son buenos musicos y muy profesionales”.

Reader`s digest (II)

1

La politica y el gobierno en esta region economica que llamamos “pais” son un lastre del que seria mejor deshacerse de la misma manera que se vuelve necesario deshacerse de un tumor canceroso en el momento de detectarlo...no necesitamos intermediarios inutiles chupasangre entre las corporaciones y nosotros, sus hijos y subditos...soy partidario de que se nos deje a solas con la jodida fiera, sin sedantes, porque la politica es hoy apenas un ala del ShowBiz, una puesta en escena para hacernos creer que nuestros destinos estan determinados por un mequetrefe con cuerpo fisico, extremidades y apellidos que “elegimos” tachoneando un papel.

Miki Guadamur, en una entrevista en el numero 1 de Vuelvete Underground

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No repetiré todas las clásicas críticas socialistas y anarquistas del capitalismo y el estado. Son ampliamente conocidas, o al menos ampliamente accesibles. Pero para acabar con algunas de las confusiones de la retórica política tradicional puede ser útil resumir los tipos básicos de organización social. En atención a la claridad, comenzaré examinando separadamente aspectos “políticos” y “económicos”, aunque están obviamente interrelacionados. Es tan fútil tratar de igualar las condiciones económicas de la gente mediante una burocracia de estado como lo es intentar democratizar la sociedad mientras el poder del dinero permite a una minúscula minoría controlar las instituciones que determinan la conciencia de la realidad social de la gente. Puesto que el sistema funciona como un todo sólo puede ser cambiado fundamentalmente como un todo.
Comenzando con el aspecto político, podemos distinguir de forma aproximativa cinco grados de “gobierno”:

(1) Libertad sin restricción
(2) Democracia directa
a) consenso
b) dominio de la mayoría
(3) Democracia delegativa
(4) Democracia representativa
(5) Dictadura abierta de una minoría

La sociedad actual oscila entre (4) y (5), es decir entre el dominio abierto de la minoría y el dominio encubierto de la minoría camuflado por una fachada de democracia simbólica. Una sociedad liberada debe eliminar (4) y (5) y reducir progresivamente la necesidad de (2) y (3).
Discutiré más tarde los dos tipos de (2). Pero la distinción crucial está entre (3) y (4).
En la democracia representativa la gente abdica de su poder en beneficio de candidatos elegidos. Los principios proclamados por los candidatos se limitan a unas cuantas generalidades vagas, y una vez que han sido elegidos hay poco control sobre sus decisiones reales acerca de cientos de problemas — aparte de la débil amenaza de cambiar el voto, unos años más tarde, a cualquier rival político igualmente incontrolable. Los representantes dependen de los ricos mediante sobornos y aportaciones a la campaña; están subordinados a los propietarios de los medios de comunicación, que deciden qué temas consiguen publicidad; y son casi tan ignorantes y débiles como el público general en lo que respecta a muchos asuntos importantes que están determinados por burócratas y agencias secretas independientes. Los dictadores abiertos son a veces derrocados, pero los verdaderos dominadores en los regímenes “democráticos”, la pequeña minoría que posee o controla virtualmente todo, nunca ganan ni pierden el voto. La mayoría de la gente no sabe siquiera quiénes son.
En la democracia delegativa, los delegados son elegidos para propósitos determinados con muy específicas limitaciones. Pueden actuar estrictamente bajo mandato (encargados de votar de una cierta manera en un cierto asunto) o el mandato puede dejarse abierto (los delegados son libres de votar como mejor crean) reservándose la gente que los ha elegido el derecho a confirmar o rechazar cualquier decisión así tomada. Generalmente los delegados son elegidos para períodos muy cortos y están sujetos a revocación en todo momento.
En el contexto de las luchas radicales, las asambleas de delegados se han llamado normalmente “consejos.” La forma del consejo fue inventada por los trabajadores en huelga durante la revolución rusa de 1905 (soviet es la palabra rusa que significa consejo). Cuando los soviets reaparecieron en 1917, fueron sucesivamente apoyados, manipulados, dominados y cooptados por los bolcheviques, que pronto consiguieron transformarlos en parodias de sí mismos: sellos de caucho del “Estado Soviético” (el último soviet independiente que sobrevivió, el de los marineros de Kronstadt, fue aplastado en 1921). No obstante los consejos han continuado para reaparecer espontáneamente en los momentos más radicales de la historia subsiguiente, en Alemania, Italia, España, Hungría y otros lugares, porque representan la solución obvia a la necesidad de una forma práctica de autoorganización popular no jerárquica. Y continúan recibiendo la oposición de todas las organizaciones jerárquicas, porque amenazan el dominio de las élites especializadas señalando la posibilidad de una sociedad de la autogestión generalizada: no la autogestión de unos cuantos detalles del sistema presente, sino la autogestión extendida a todas las regiones del globo y a todos los aspectos de la vida.
Pero como señalamos arriba, la cuestión de las formas democráticas no puede ser separada de su contexto económico.

Irracionalidades del capitalismo

La organización económica puede estudiarse desde la perspectiva del trabajo:
(1) Totalmente voluntario
(2) Cooperativo (autogestión colectiva)
(3) Forzado y explotador
____ a) abiertamente (trabajo de los esclavos)
____ b) disfrazado (trabajo asalariado)
Y desde la perspectiva de la distribución:
(1) Verdadero comunismo (accesibilidad totalmente libre)
(2) Verdadero socialismo (propiedad y regulación colectivas)
(3) Capitalismo (propiedad privada o estatal)

Aunque es posible regalar los bienes y servicios producidos por el trabajo asalariado, o aquellos producidos por el trabajo voluntario o cooperativo para convertirse en mercancías para el mercado, la mayor parte de estos niveles de trabajo y distribución tienden a corresponderse unos con otros. La sociedad actual es predominantemente (3): producción y consumo forzados de mercancías. Una sociedad liberada debe eliminar (3) y reducir (2) tan pronto como sea posible en favor de (1).
El capitalismo se basa en la producción de mercancías (producción de bienes para conseguir beneficios) y el trabajo asalariado (la propia fuerza del trabajo se compra y se vende como una mercancía). Como apuntaba Marx, hay menos diferencia entre el trabajador esclavo y el “libre” de lo que parece. Los esclavos, aunque no parecen percibir nada a cambio, son provistos de los medios de su supervivencia y reproducción, por los que los trabajadores (que se convierten en esclavos temporales en sus horas de trabajo) están obligados a pagar la mayor parte de su salario. El que algunos trabajos sean menos desagradables que otros, y que los trabajadores tengan el derecho nominal a cambiar de trabajo, emprender su propio comercio, comprar stocks o ganar a la lotería, encubren el hecho de que la inmensa mayoría de la gente está colectivamente esclavizada.
¿Cómo hemos llegado a esta absurda situación? Si retrocedemos lo suficiente, encontramos que en algún momento la gente fue desposeída por la fuerza: expulsada de la tierra y además privada de los medios para producir los bienes necesarios para la vida. (Los famosos capítulos sobre la “acumulación primitiva” de El Capital describen vívidamente este proceso en Inglaterra.) En la medida en que la gente acepta esta desposesión como legítima, están obligados a un trato desigual con los “propietarios” (los que les han robado, o quienes han conseguido después títulos de “propiedad” de los ladrones originales) en el que intercambian su trabajo por una fracción de lo que realmente producen, siendo retenida la plusvalía por los propietarios. Esta plusvalía (capital) puede entonces reinvertirse para generar continuamente mayores plusvalías de la misma forma.
A efectos de distribución, una fuente pública de agua potable es un ejemplo simple de verdadero comunismo (accesibilidad ilimitada). Una biblioteca pública es un ejemplo de verdadero socialismo (accesibilidad libre pero regulada).
En una sociedad racional, la accesibilidad debería depender de la abundancia. Durante una sequía, el agua debe ser racionada. A la inversa, una vez que las bibliotecas estuviesen enteramente puestas on-line podrían llegar a ser totalmente comunistas: todos podrían tener acceso libre al instante a cualquier número de textos sin necesidad de fichar ni devolverlos, de seguridad contra ladrones, etc.
Pero esta relación racional está impedida por la persistencia de los intereses económicos separados. Por tomar el último ejemplo, pronto será técnicamente posible crear una “biblioteca” mundial en la que todos los libros escritos, todas las películas realizadas y todas las interpretaciones musicales grabadas podrían ponerse on-line, potencialmente accesibles a cualquiera, para recibir libremente y obtener copias (sin necesidad ya de tiendas, comercios, propaganda, empaquetado, transporte, etc.). Pero como esto eliminaría los beneficios actuales en la publicación, grabación y comercio de películas, se invierte mucha más energía confeccionando complicados métodos para prevenir o cobrar las copias (mientras otros dedican la energía correspondiente ideando maneras de soslayar tales métodos) que en desarrollar una tecnología que podría beneficiar potencialmente a todos (...).

Fragmento de El placer de la revolución ("The Joy of Revolution") de Ken Knabb

Texto entero aqui
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Amigos míos: quiero que consideren la relación entre el arte y el comercio, usando esta última palabra para indicar lo que general-mente significa, es decir, ese sistema de competencia en el mercado que en verdad es la única forma que hoy día la mayoría de la gente supone que puede adoptar el comercio.
Pues mientras ha habido épocas en la historia del mundo en que el arte mantenía una supremacía sobre el comercio, en que el arte era mucho y el comercio--tal como entendemos la palabra--poco, así ahora, por el contrario, todos han de admitir que, supongo, el comercio ha adquirido gran importancia y el arte muy poca.
Afirmo que en general esto se admitirá, mas distinta gente tendrá distintas opiniones no sólo sobre si esto es bueno o malo, sino incluso sobre lo que implica el que digamos que el comercio ha adquirido gran importancia y que el arte se ha hundido para convertirse en una cuestión sin-importancia.
Permítanme que les dé mi opinión acerca de lo que significa, lo cual me llevará a pedirles que consideren qué remedios deberían aplicarse para curar los males que existen en las relaciones entre el arte y el comercio.
Si les hablo con franqueza, me parece que la supremacía del comercio (tal como entendemos la palabra) es un mal y bastante grave; debe-ría llamarlo un mal puro, si no fuera por la extraña continuidad de la vida que fluye por todos los hechos históricos y mediante la cual los males de tal o cual período tienden a anularse por sí mismos.
Pues, en mi opinión, esto es lo que significa: que el mundo de la civilización moderna, en su prisa por obtener una prosperidad material desigualmente repartida, ha suprimido por completo el arte popular o, en otras palabras, que la mayoría de la gente no participa del arte, el cual--tal como están ahora las cosas--ha de conservarse en manos de unos cuantos ricos o de gente bien, que podríamos decir que lo necesitan menos y no más que los sufridos trabajadores.
Pero no es ese todo el mal ni el peor, pues la causa de este hambre de arte es que, mientras en todo el mundo civilizado la gente trabaja tan denodadamente como lo ha hecho siempre, ha perdido--al perder un arte que se hacía por y para el pueblo--el solaz natural de ese trabajo, un solaz que una vez tuvo y que debería tener siempre: la oportunidad de expresar sus propios pensamientos a sus semejantes mediante dicho trabajo, mediante ese trabajo diario que la naturaleza o el hábito prolongado (una segunda naturaleza) le exige de hecho, pero sin que ello implique que deba ser una carga repugnante y sin recompensa.
Mas debido a una ceguera extraña, a un error de la civilización en los últimos tiempos, el trabajo del mundo, casi todo él--el trabajo que de haberse compartido habría sido el útil compañero de todos los hombres--se ha convertido en una carga tal que todos los hombres, si pudieran, se librarían de él. He dicho que la gente trabaja no menos denodadamente de lo que antes lo hacía, mas debería haber dicho que trabaja más denodadamente.
Las maravillosas máquinas que en manos de hombres justos y previsores habrían sido usadas para reducir el trabajo repugnante y para proporcionar placer (o, en otras palabras, aumentar la vida) a la raza humana se han usado, por el contrario, de forma que han llevado a todos los hombres a una precipitación y una prisa frenéticas, destrozando de esa forma el placer, es decir, la vida, en todos lados; en vez de aliviar la tarea de los trabajadores, la han incrementado y de ese modo han añadido más cansancio aún al peso que los pobres tienen que sobrellevar.
No se puede alegar por parte del sistema de la civilización moderna que sus meros beneficios materiales o corporales compensan la pérdida de placer que le ha causado al mundo, pues, como antes dejé entrever, esos beneficios se han repartido de una forma tan injusta que el contraste entre ricos y pobres se ha incrementado terrible-mente, de modo que en todos los países civilizados--pero sobre todo en Inglaterra--se exhibe el terrible espectáculo de dos pueblos que viven en calles y en puertas contiguas, pueblos de la misma sangre, la misma lengua y (al menos nominalmente) las mismas leyes, mas uno es civilizado y el otro incivilizado.
Todo esto, afirmo, es resultado del sistema que ha pisoteado al arte y ha ensalzado al comercio como a una religión sagrada e incluso parece dispuesto--con esa estupidez horrible que constituye su principal característica--a mofarse del autor satírico romano al invertir el sentido de su noble consejo y pedirnos a todos que «en atención a la vida destruyamos las razones para vivir.»
Y ahora, frente a esta tiranía estúpida, planteo una reivindicación en nombre del trabajo esclavizado por el comercio que sé que nadie en sus cabales podrá negar resulta razonable, aunque de llevarse a la práctica supondría un cambio tal que derrotaría al comercio, es decir, impondría la asociación en vez de la competición, el orden social en vez de la anarquía individualista.
Con todo, he tenido en cuenta esta reivindicación a la luz de la historia y de mi propia conciencia y al así hacerlo me parece una reivindicación de lo más justa y resistirse a ella no implica sino negar la esperanza de-la civilización.
Esta es entonces la reivindicación: Es justo y necesario que todos los hombres realicen un trabajo que merezca la pena y que en sí mismo resulte agradable de hacer y que se realice en unas condiciones tales que no lo hagan ni agotador en exceso ni angustioso en exceso.
Por mucho que piense en esta reivindicación, por más que me la plantee, no me llega a parecer que resulte una reivindicación exorbitante; mas de nuevo afirmo que si la sociedad la admitiera o pudiera hacerlo, cambiaría la faz del mundo, se pondría fin al descontento, la lucha y la falta de honradez. ¡Sentir que estábamos haciendo un trabajo que a otros les resulte útil y a nosotros agradable y que dicho trabajo y su recompensa debida no se nos podían acabar! ¿Qué grave daño podía ocurrirnos entonces? Y el precio a pagar por hacer el mundo feliz de esa manera es la revolución: socialismo en vez de laissez-faire.
¿Cómo podemos los de clase media ayudar a que acontezca tal realidad, una realidad que en la medida de lo posible sea la opuesta a la realidad actual?
La opuesta, nada menos que eso. Pues en primer lugar, el trabajo debe merecer la pena: ¡Piensen qué cambio implicaría esto en el mundo! Les digo que me aturde pensar en lo ingente que resulta el trabajo que se realiza para hacer cosas inútiles (...).

William Morris. "Art and Socialism." 1884. "Arte y Socialismo." (Frangemento de Conferencia) Traducción por Juan Ignacio Guijarro González.

Texto entero aqui

Tercos

Hola. Todos estos discos están reseñados juntos porque comparten algunas cosas. Se trata de discos editados en la presente década, por artistas que empezaron sus carreras musicales hace bastantes décadas (por lo que están lejos de la juventud a la que suele asociársele al rock) pero que siguen en plena actividad. Pese a su vitalidad, cuando se habla de “lo que esta pasando ahora” en el mundo de la música se los suele ignorar reduciendo el análisis a artistas más jóvenes o populares. Esto no quiere decir que su trabajo no sea reconocido, pero muchas veces ese reconocimiento se centra en su obra pasada, incluso cuando se habla de su producción actual.
Esto no se trata de una lista o ranking de “mejores discos de la década” dentro de esta categoría (tan arbitraria como cualquier otra), sino que simplemente una lista de discos con los que el destino me cruzó.


Angels of Light-Everythings is Good/Please come home (2003)









Cuando Michael Gira decidió darle final a los aplastantes Swans luego de 15 años de carrera armó el proyecto Angels of Light con la intención de hacer canciones mas despojadas instrumentalmente, que en lo posible se mantuviesen lo más cercano posible al formato de guitarra criolla y cantante. Luego de dos discos en este plan, para Everything is Good/Please come home decidió hacer un cambio. Las canciones seguían siendo compuestas en ese formato de cantante folk, pero esta vez decidió trabajarlas mas, agregándoles diversos instrumentos por capas, dejando que la propia canción (en un ejercicio de inspiración e instinto) dictase lo que necesitaba. El método se puede notar en el resultado final en el hecho de que generalmente las canciones parten de la base de guitarra y voz, y mientras avanzan se va generando un increcendo en el que se van sumando instrumentos y otros elementos.
Para eso terminó trabajando con mas de 20 músicos, que incluyen a los fantásticos Brying Dahl, Jim Foetus, Kid Cong Powers y también a ese ser de voz insoportable llamado Devendra Banhart (que la verdad no sé en que parte del disco esta). La instrumentación que acompaña a las canciones es variada. Incluye, además de guitarra acústica y la formación clásica del rock (bajo, guitarra, batería), banjo, mandolina, guitarra steel, marimbas, vibráfonos, acordeón, flautas, sintetizadores, drones, coro de niños, acordeón, violín, piano, trompeta, trombón, pi pi pi, pa pa pa, en fin, mucha cosa. Muchas opciones. Esto ayuda en el ejercicio de estilo del disco en donde se toma varios elementos, arreglos, ideas de varios géneros y estilos, generalmente de música folklórica Norteamérica. Everythings is Good/Please come home es un disco refinado hecho con tanto amor, cuidado y cariño por la música que parece salido de otra época.
Se habla bastante de lo opuesto que puede resultar la tranquilidad country- folk de Angels of Light con la brutalidad sónica de los Swans, pero en realidad ya en los últimos discos de Swans se se insinuaba este paso. Quizás la diferencia esta en que Gira no orienta el trabajo hacia el impresionismo/impacto sónico como lo hacia en los Swans y sino que aquí el arsenal de recursos sonoros se orienta a privilegiar la canción y hacerle sacar lo mejor de sí misma. Hay densas capas de instrumentos y sonidos, pero no basadas en guitarras eléctricas o distorsión. En Rose of Los Angeles por ejemplo se trata de flautas, violines y pianos (y otras cosas que no puedo determinar que son), en la bellísima Sunset Park son varias capas de voces que se van sumando al repetitivo she brings some, she brings one que canta Gira y en la brillante Wedding es siniestro coro de niños que aparece y desaparece. En los Swans la brutalidad sonora, lírica y conceptual venia como mazacote directo en el estomago (aunque repito que esto no es tan así en los últimos discos de la banda) aquí sigue habiendo atrocidades varias pero expuestas de una manera mas sutil (Nations o The Family God son buenos ejemplos de eso).
Si bien el clima del disco es mas bien oscuro (Do you see how they ruin your mind?/Do you see how they wasted your life?) este no necesariamente pesimista o derrotista. Hay una bella palabra es recurrente en el disco y que se puede considerar como su concepto central: Rise. All Souls Rising suena como la fuckin resurrección de los muertos y tiene una arrolladora energía que la vuelve –justamente- revitalizadora que (con esos coros de gruñidos-gritos y esos órganos chirriantes que se van volviendo más caóticos mientas avanza la canción, diosss, que buenooo). Como digo siempre: la búsqueda de le belleza nunca es algo negativo y cuando llega a resultados tan hermosos como Kosinski o The Family God se vuelve conmovedora por mas que se maneje un material de base bastante oscuro.
En definitiva, el disco que se acerca mucho a la música tradicional norteamericana (folk, blues y country) pero con un tratamiento libre (¿decontruccion?) que lo acerca a los resultados de Birthday Party o los primeros Bad Seeds, Einsturzende Neubauten haciendo blues o Crime & the City Solution. Por ahí va la mano, aunque en un estado general mas bien “inquietatemente tranquilo” y no tan furiosamente noise.


David Thomas & Two Pale Boys-18 Monkeys on a dead man`s chest (2004)









Es difícil catalogar la obra de David Thomas (que además de los grandiosos Pere Ubu que arma y desarma cuando le da la gana ha tenido diversos proyectos semi solistas: David Thomas & the Pedestrians, David Thomas & His Legs y estos Two Pale Boys). Si uno dice que Pere Ubu es vanguardia y que su música es arriesgada, él saldrá diciendo que Pere Ubu es simplemente una banda de rock n roll (“los herederos legítimos de Elvis Presley”). La prensa mas mainstream lo suele asociar a la cultura punk (The Modern Dance suele estar nombrado en esas listas de “discos punks fundamentales” y cosas así) pero el no ha parado de hablar pestes del punk (pestes bien fundamentadas) marcando distancia con él. Supongo que como muchos músicos que hicieron sus primeros pinitos escribiendo sobre música, Thomas lo hace un poco a propósito. Le gusta complicarle la cosa a los periodistas. Sabe que es su trabajo el de clasificar las cosas y no de él.
Quizás la mejor manera de entender su obra es pensando que es producto de un tiempo y un enclave geográfico particular que fue la escena de Cleveland en los 70s. Esa decadente ciudad industrial, aparentemente aburridísima, en donde un cocktel explosivo de fascinación adolescente con la invasión británica de los 60s, la influencia de la vecina Detroit (y de los Stooges en particular), discos de Captain Beefheart y free jazz circulando libremente y el germen dejado por The Velvet Underground (Cleveland fue una de las pocas ciudades fuera de New York donde el EPI se presentó), afectó sensiblemente a un montón de jóvenes que vieron en el rock la mejor manera para aprovechar sus vidas[1]. Mirrors, Electric Eels, Styrennes, Rocket from the Tombs, Waitresses, en fin, ese lugar era un criadero de terroristas sonoros. Thomas siempre ha hecho énfasis en esto, declarando que lo Pere Ubu hace es música folk, es decir, música propia de un lugar y tiempo determinado. Si bien la escena ha sido repetidamente revalorizada póstumamente y muchos de sus participes fueron actores fundamentales en la posterior escena punk neoyorquina, la mayoría de ellos (menos la parte más reaccionaria y deseosa de atención de la escena: Dead Boys, Pagans) tuvieron muy claro desde el primer que no iban a ser músicos masivos. Algo que -además de ser una actitud rara para la época- al ser aceptado desde el comienzo sirvió de experiencia liberadora: partiendo de la base de que no iban a gustarle a mucha gente podían tranquilamente hacer lo que quisiesen sin preocuparse demasiado.
“Hacer siempre lo que se le canta el orto” es quizás entonces la mejor manera de definir la carrera de este talentosisimo y enorme ser humano, tan gordo como elegante, retorcido showman de intencional vos molesta y activista ideológico contra todo lo que en que se termino convirtiéndo la cultura rock (culto a la personalidad, conservadurismo general, preponderancia de la pose sobre la esencia, etc) que ha construido una carrera difícil de igualar, en la que acumula discos maravillosos e innovadores y que nunca perdió tiempo con las modas.
Obra que lejos esta de detenerse o agotarse. Two Pale Boys existen hace como 10 años y han sacado tres discos (este es el precisamente el tercero). Es un trío formado junto al trompetista Andy Diagram (antiguo miembro de los mancunianos James y actualmente en los Spaceheads, entre varias cosas) y el guitarrista Keith Moliné (que también mete sintes mezclados con la guitarra, ya que tiene una guitarra medio particular que no se como explicar porque en realidad no la entiendo, pero combina las dos cosas y es miembro de They came from the stars i saw, además ser parte de la formación actual de Pere Ubu y escribir para The Wire).
Es aquí donde me detengo, ya que al tratar de verbalizar o explicar la música del disco me siento como un roedor tratando de explicar lo que ve en la Capilla Sixtina. Muchas veces, con música tan increíble como la de este disco me cuesta escribir algo, ya que los elementos claves de mismo me son misteriosos e inexplicables. La música es pura magia y no tiene explicación por lo que es mejor dejarlo por ahí.
Apenas puedo balbucear como un Neardental algunas cosas pero nada más. Si estaban prestando atención se habrán dado cuenta que en la formación no hay batería, casi todas las canciones del disco son extrañísimas, elípticas y deformes baladas (Numbers man es el único numero roquero del disco). Es decir, baladas con el sello Thomas. Thomas concibe a Pere Ubu como una banda de rock, por lo que lo importante es la avalancha sónica, mientras que aquí la principal diferencia es que el trabajo se encuentra principalmente basado en la voz del gordo. Las canciones flotan en una especie de aura sonora que arropa el trabajo vocal y lírico de Thomas (llena de imágenes tan surrealistas como confesionales). Hay muchas guitarras que se entrecruzan y retuercen, trompetazos que a veces son perversamente dulces y otras veces cortan tajantemente el aliento sumando a particulares sonidos electrónicos. Hay una especial preocupación en la producción de sonido y en que los instrumentos suenen de otra manera a la que deberían o suelen sonar, es decir, el sonido de las trompetas o guitarras esta casi siempre deformado.
Pero esto repito, son solo balbuceos. Ante la misteriosa perfección de la obra (es difícil destacar un solo tema) solo puedo aspirar a esto. La verdad que no tengo idea como lo hace, pero lo hace. Siempre lo hace. ¿Cómo escribir sobre algo como Nebraska alcohol abuse?. ¿Cómo explicar la sensación que provocan esos cortantes golpes de cuerdas que marcan la canción?. Una canción tan tortuosamente emocionante (épica!), con tantos detalles, giros increíbles, ideas impactantes, emocionantes variantes, frases geniales. Imposibol. No no. Renuncio. Mejor escúchenlo.


Soft Cell-Cruelty without beauty (2002)

En 1984, luego de tres discos (cuatro si contamos el disco de remixes Non-Stop Ecstatic Dancing) la primera parte de la carrera de Soft Cell había finalizado. El dúo de Marc Almond y Dave Ball, que habían comenzado como un proyecto puramente underground y que habían logrado un contrato con un sello major gracias al éxito en las discotecas del simple Memorabilia, se terminaron convirtiendo -rápida e inesperadamente- en superestrellas pop gracias a una retorcida versión de un viejo clásico soul (Taited love). Posición incomoda y extraña para un grupo que estaba mucho más cerca de Suicide y la escena industrial inglesa que de Erasure o la portada de Smash Hits. Es por eso que su carrera después del éxito inicial (media docena de singles en él Top 5 británico) se vio condicionada por el conflicto entre las expectativas de los deseos del sello y él publico masivo con sus propios deseos y necesidades como artistas. Una serie de escándalos se sucedieron en esas épocas: Almond es detenido en Londres por supuestamente beber semen en el escenario, se prohíbe la difusión del video de sex dwarf (una orgía con enanos, negros, travestis, gordas, canibalismo y todos lo chiches), se niegan a interpretar tainted love en vivo, padres escandalizados protestan por la explícitamente sexual puesta en escena de la banda cuando se presenta en televisión, escándalos en hoteles, restaurantes y aerolíneas, etc. Este particular periodo se vio reflejado en que los discos que sucedieron al fantástico debut (Non Stop Erotic Cabaret) The Art of Falling Apart y This Last Night in Sodom. Discos tan irregulares, confusos, oscuros, sorprendentes y por momentos brillantes que profundizaron en los aspectos más sórdidos y extremos de la banda.
Si bien ya había colaborado en proyectos puntuales (la separación se debió probablemente a la necesidad de salir de una situación asfixiante y no porque se llevasen mal) pasaron 18 años para que Soft Cell se juntase para trabajar en un nuevo disco y en una consecuente gira reunión. En Cruelty without beauty lo primero que sale a la luz es como los dos han crecido en los años que se mantuvieron separados. Ambos se habían mantenido intensamente activos: Marc Almond tuvo una variadísima carrera solista en la que trabajo con gente como Coil, Psychic TV, Jimmy Sommerville, David Johnasen, John Cale, Lydia Lunch, Jim Foetus, Nico, Nick Cave o Current 93 (que lista eh, no cualquiera ) y en donde no le queda prácticamente genero musical con el que experimentar (flamenco, soul, disco, house, canción rusa, techno pop, chanson francesa, vaudevil, música experimental, etc). Por su lado Dave Ball formo el proyecto The Grind junto al ex Psychic TV Richard Norris, además de producir a varios artistas. Su lista de gente con la que colaboro también tiene chapa: Genesis P-Orridge (en la banda sonora de Decoder), Gavin Friday, Brian Eno, Happy Mondays, David Sylvian, Kylie Minogue, Robert Fripp, Phil Manzanera y Dagmar Kause (Faust), entre otros.
Siempre hago recordar el hecho de que Almond y Bell se conocieron cuando se estudiaban en la escuela de arte de Leeds y se les encomendó hacer la música de puestas teatrales (aunque terminaron haciendo instalaciones sonoras experimentales). Siempre lo recuerdo porque sus canciones siempre me hacen acordar a canciones de un musical, es decir, canciones que retratan momentos claves de una narración más larga.
Cruelty without beauty parece arrancar en donde dejaron con su anterior disco; en un mood mas bien oscuro y un clima confuso. Pero tiene un tratamiento más pop, por lo que el desconcierto y el caos en vez de transmitirse de forma poco clara, se transmite de manera más directa, por lo que el mensaje llega de manera mas precisa.
Almond, además de ser un GRAN cantante (que aquí ya directamente a tomado un estilo mas de crooner y no tan punkie como en el primer Soft Cell) demostró siempre ser un gran letrista y en este disco tiene grandes momentos en ese campo (voy a atomizar con letras de acá en adelante. singalong.). El trabajo de David Pelota parece ser funcional a las letras. Es decir -nada mas, ni nada menos- que el de adornar y acompañar las canciones de Almond, tratando de extraer de ellas su mayor potencial. Si seguimos con la metáfora teatral, Almond seria el autor del texto y Ball el encargado de la puesta en escena. Si a alguien el trabajo de Ball le parece medio pobre, habría que recordar que en los trabajos solistas de Almond en que intento un acompañamiento techno, rara vez encontró un socio tan perfecto.
Decía que los temas del disco son mas bien oscuros y si alguien piensa a Soft Cell como una banda fiestera acá se va a decepcionar. Es muy difícil que alguien en la pista de baile quiere escuchar cosas como las que se cantan aquí. Una escucha superficial del disco diría por ejemplo que Sensation Nation es el tema mas “para arriba” del mismo, pero su letra rebela algo de fatalismo, desencanto y amargura.

Have you got all that you ever wanted?
Or is there still something missing?
Is that why you're always reminiscing
It's all so deliciously wicked
This decadent life we're leading
It's all before your high has faded
Here's a mantra for the jaded
So take me higher
For a quick fix of desire
We're happy shiny people
With nasty little thoughts

El tema general del disco parece ser la llamada “crisis de la mediana edad” que Almond maneja haciendo un arriesgado strip tease emocional.


Another day melts into the evening
I sit alone and watch the stars
Remembering times
I think of the past
Here in my isolation
In the solitary situation
Reality hurts
Where memories last

(Together Alone)

I'm all out of love
There's never enough
I'm all out of love
I'm all out of love
Have I given too much
I'm all out of love
So many doubts
So many fears
All those demons that rise
With the years
Love came calling
But the cupboard was bare
I try to find my heart
But it wasn't there
Am I a spent force?
Used up?
Washed up?
Left out to dry?
Is it the same for everybody
Doctor can you tell me why?
I'm all out of love
There's never enough
I'm all out of love
I'm all out of love
Have I given too much
I'm all out of love

(All out of love)


Este particular estado emocional, es también retratado en canciones que narran historias de desamores y romances patéticos, algo en lo Almond es especialista.

I've wasted too many chances
On small ads and Internet romances
So come home with me
Won't you come home with me?
This is our last chance for love
I toyed with a cigarette
Trying to look aloof and sexy
But I couldn't see for the smoke
In my eyes
OK, I have a shaky limp and
Dress a little like a pimp but
After your drink I'll still look OK
In a good light
Come home with me
Won't you come home with me?
This is our last chance
For romance
Our last chance


(Last Chance)

Otro acierto del disco como Almond combina hábilmente estos temas de carácter personal, con temas de carácter mas general y social, haciendo una correspondencia entre ese estado intimo ubicándolo en un contexto general de decadencia cultural y clima pre apocalíptico

Why don't I just give up?
And do myself a favour?
My life is slowly turning grey
And losing all its flavour
Everything the same
Again and again and again
Everything the same
Again and again and again
The world has gone insane
Everything that's old
Is new again
Monoculture
Mediocre
The same
Ordinary
Boring
Mediocre
The same
Ordinary
Boring
Monoculture

(Monoculture)

Ese clima nihilista y negro sobre el estado general de la sociedad también parte central de la temática del disco.

I'll display you in my game show
On TV
Called 'Humiliation
And Hypocrisy'
Throw an orgy for the dissolute
And the damned
Every kind of deviation
On demand
So worship me
And fall down on your knees
Or I'll unleash another
Chemical disease
Is this what true power feels like?
Racing round my veins
Like a motorbike
It's the fall of Rome
My Caligula syndrome
While our city is burning
Won't you dance with me
While our empire is falling
Like Nero let's make music to the
Fires of Rome


Pese a la negrura y desesperanza general, Almond no quiere ser un bajón, y en los temas de cierre (on a up) y apertura (darker times) del disco mete un mensaje un poco más optimista.

We gotta keep dancing
Through the years
We gotta keep smiling
Through our tears
Nobody knows where we go from here
In these darker times

(Darker Times)

La única canción que escapa de estos temas es The Night, que narra una de esas relaciones amorosas conflictivas, que si bien son normales y uno puede identificarse con ellas, contadas como lo hace Almond (es decir, dándoles distanciamiento) se vuelven perversas y enfermizas. Esta fue la canción elegida para promocionar el disco y apenas araño el puesto numero 39 del ranking inglés. Lo curioso es que se trata de una canción vieja, que iba a ir en el primer disco de la banda, hasta que a ultimo momento la sustituyeron por Tainted Love. Si bien no fue un gran éxito de ventas, el disco recibió elogiosas criticas y le gusto a los fans de la banda, que volvieron exitosa la gira reunión.


David Sylvian/Blemish(2003)/Nine Horses-Snow borne sorrow (2005)










David Sylvian es un caso particular en el mundo de la música pop. En su carrera como cantante Japan pasaron a ser un episodio tardío del glam rock inglés (que para su demorado disco debut ya habían incorporado elementos de música negra norteamericana -soul, funk- que es por donde andaban Bowie, Bolan y Roxy Music en esa época) a asentar (probablemente sin quererlo) las bases estéticas de lo que luego seria el new romantic (Duran Duran le debe todo a Japan) para en sus últimos años adentrarse en terrenos mas alejados del pop, buscando a través de la experimentación, cierta conexión entre el ambient electrónico y la canción tradicional, mechando detalles de música y filosofía oriental.
Si bien en toda su carrera con Japan había demostrado bastante atracción por no tomar caminos obvios y experimentar, en su carrera solista se aboco totalmente por este camino, alejándose totalmente del formato pop y el mainstream, lo que le provoco no pocos problemas en su carrera. Además de colaborar en varios proyectos con músicos como Ryuichi Sakamoto, Holger Czukay, John Hassell, Marc Ribot, Bill Frisell o Robert Fripp (que llegó ofrecerle ser la voz en una de las reuniones de King Crimson) Sylvian estuvo involucrado en música de puestas teatrales e instalaciones sonoras.
Este alejamiento deliberado y progresivo del mainstream y de las ambiciones de masividad de un pop star le trajo varios inconvenientes en el relacionamiento con Virgin Records, el sello que lo había apoyado toda su carrera. Además de ser reacio a hacer grandes giras promocionales, dos hechos puntuales marcaron el deterioro final de ese relacionamiento. Cuando a finales de los 80s Virgin decidió sacar una caja recopilando la carrera solista de Sylvian la compañía le pidió si podía hacer una canción “un poco más pop” que ayudase a promocionar el emprendimiento. Sylvian les entrego una composición llamada “pop song”, que fue una manera elegante de escupirles la cara.
Gracias a un antiguo fan en Virgin, la compañía siguió apoyando su carrera, pero esta condescendiente paciencia llego a un limite poco tiempo después cuando Sylvian empezó a trabajar en un nuevo disco con sus antiguos compañeros de Japan. Aquí el problema fue que la compañía y sus antiguos compañeros querían que el disco se promocionase como un nuevo disco de Japan, mientras que Sylvian -que quería evitar a toda costa que el proyecto se viese como una reunión nostálgica- quería que el proyecto saliese bajo el nombre Rain tree cow. El asunto terminó mal, ya que si bien el proyecto salió con el nombre que Sylvian quería, los altos costes de la producción del disco y la negativa a que saliese bajo el nombre de Japan hicieron que Virgin se desinteresara por su trabajo y tuvo que pagarse de su bolsillo los costes del disco. Para colmo los métodos de trabajo de Sylvian hicieron que se pelease definitivamente con sus ex compañeros de banda.
Luego de eso la carrera de Sylvian estuvo marcada por cierta relativa inactividad, una mudanza de ambiente, divorcio, nuevo matrimonio y paternidad. Pero la circulación libre de información a través de internet, gracias a la cual los fans influyen en corrientes de opinión (esa ventaja que tienen hoy los artistas de culto) revitalizaron su carrera y ahora Sylvian edita sus trabajos bajo su propio sello, Samadhi Sounds.
Blemish, fue el primer disco que salió por ahi. En origen, Sylvian lo empezó a trabajar en él solo, como forma de escape de un proceso composición de un disco con otros músicos que no estaba funcionando. Solo con una guitarra y su pc grabo el núcleo original del disco, que fue completado con el fundamental aporte de los guitarristas experimentales Christian Fennesz y Derek Bailey. Su aporte es clave para el resultado final del disco. Fennesz aporta un envolvente sonido atmosférico y Bailey aporta detalles con su única y poco convencional manera de tocar la guitarra, que algún despistado diría que no tiene la menor idea de lo que hace o que esta haciendo todo mal, pero la gente normal como nosotros -que sabemos lo que es la experimentación, el free jazz y la no wave- lo consideramos un maestro.
Blemish es un disco que continua el viejo interés de Sylvian por la música ambient, pero es como un disco ambient sin ser ambient, (aunque quizás digo esto porque no me gusta nada el ambient y este disco si). Es una suerte de retorsión del ambient. Es un disco climático y envuelve la habitación donde uno lo pone a sonar, pero esos detalles imprevisibles, esa tendencia a usar arreglos desafinados, sorpresivos o “mal tocados” y esa aparente predilección de dejar que los errores se cuelen en el resultado final como si fuesen grandes hallazgos, impiden que el disco sea algo que se pueda poner solo de fondo en una habitación y obligan a prestar atención y parar la oreja. Desde la primera canción se muestran las cartas: se induce a profundo clima narcótico (que no llega a ser denso y es mas bien frágil) en donde se tienden a utilizar estructuras cíclicas pero irregulares y donde pequeños detalles inesperados adornan la canción.
La producción sonora crea una sensación de algo despojado y simple, pero esta llena de pequeños gestos sonoros. Siempre se trabaja con una cantidad mínima de elementos para maximizar los resultados. Vean sino como se llega a crear, con muy pocas cosas, la sensación de un gospel en late night shopping. El clima general del disco es de intimidad. Por eso el tema del disco (además de una mirada critica a la cultura de consumo actual) que trata principalmente la disolución del primer matrimonio de Sylvian (con la artista japonesa Yuki Fujii) llega al oyente de manera directa y clara pero no violenta, ya que uno logra meterse disimuladamente en la intimidad de la vida de Sylvian y logra mágicamente estar presente en momentos de su vida familiar.
Hay tres canciones solo de guitarra criolla y voz (the good son, she is not, how little we need to be happy), algo a priori bastante convencional. Pero si alguien puede pensar que ese formato es limitado o esta agotado le recomiendo que las escuche y vea la vuelta que le encontró Sylvian para hacer con ellas algo experimental e innovador.
Hay que destacar que el disco esta muy influenciado por la obra de uno de los mayores ídolos de Sylvian, que es Scott Walker y que quizás Tilt sea el disco que más me haga acordar Blemish.
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Si en Blemish todo es despojado y simple, su siguiente proyecto, Snow borne sorrow, arranca desde el primer momento con un tratamiento mas avasallante y orquestal. Nine Horses es un proyecto, si bien liderado y emprendido por Sylvian, en que lo acompañan su hermano Steve Jansen (que era el baterista de Japan y que esta presente con él en gran parte de la carrera solista de Sylvian) y el músico electrónico alemán Burnt Friedman. Hay también muchos otros colaboradores en el proyecto, entre ellos, el trompetista noruego Arve Henriksen, la cantante sueca Stina Nordenstam y el viejo, querido y peludo Ryuichi Sakamoto en el piano.
En este disco lo que más llama la atención es que es el trabajo más convencional de Sylvian en siglos, rompiendo la línea que venia desarrollando. En muchos sentidos, puede marcar un revitalizador nuevo comienzo a su carrera. Las canciones son canciones y apenas utiliza elementos experimentales. Hace gala de una sensual voz de crooner (voz que parece haber recuperado el elemento “sexo”) que se lleva muy bien con la tendencia orquestal del disco. Se tratan mas que nada de baladas de jazz-rock modernas (que me hacen a la música que le gusta a Bobby Flores) arropadas con arreglos de diferentes procedencias. Acá me detengo para hacer un pequeño apunte personal: la carrera de Sylvian me interesa y gusta por mas que se muchas veces involucra con estilos o músicos que poco me importan (¿o se pensaron que me empezó a gustar King Crimson de golpe?). Digamos de frente y sin miedo que Snow Borne Sorrow es un disco tan AOR como el peor disco de Sting.
Las letras tratan de cierta inestabilidad emocional de creencias (crisis de fé) y algunas parecen hablar de la situación de la política internacional luego del 11/9. También Sylvian parece mirar su vida hacia atrás, haciendo un repaso desde este punto de inflexión en su carrera. Incluso hay una que parece hablar de las particularidades y dificultades (o ventajas) de hacer esa mirada atrás:

God bless amnesia
And the things I’ve suppressed
I can reframe the image
I can discard the rest
A history of holes
Where the pieces that won’t fit
With the story you told yourself
And your place in it
And I fear that it isn’t enough
So put on a brave face
Straighten that tie
And speak like you mean it
Give truth to the lie

A Sylvian le ha ido muy bien con este proyecto, tanto de criticas como de publico. Este año a lanzado un nuevo EP con Nine Horses (Money for all) y esta llevando a cabo un exitoso tour (exitoso sobretodo comparado con algunos desastrosos que había tenido antes) lo que revitalizado su carrera.


Tuxedomoon-Cabin in the Sky (2004)









Surgidos de la increible escena after punk de San Francisco, pero emigrados a principio de los 80s a Bruselas, Tuxedomoon es una banda única y personal, alejada de cualquier posibilidad de clasificación (en su web hay una definición muy graciosa: art hop trip wave minimalist romantic alternative voodoo robot chainfish music). En los 80s sacaron una serie de impresionantes discos y si bien nunca realmente se separaron, durante toda la década de los 90s permanecieron inactivos como banda, pero intensamente activos por separado. Recién para el 2004 el núcleo original de Steven Brown, Peter Principle y Blaine Reininger mas Luc Van Lieshoust (que se había sumado en su fase europea) se juntó para grabar un nuevo disco, Cabin in the Sky, que resulto un discazo, al nivel de sus mejores discos.
Su método de composición y trabajo (que ellos llaman de “colectivo anarco-sindicalista) no ha variado desde que comenzó la banda. Es simple: se juntan, improvisan libremente y graban todo lo que hacen. Luego (a veces todos, a veces por separado) escuchan lo que grabaron, seleccionan las cosas que más les gustaron, sacan ideas y ven de que manera arreglar eso para transformarlo en una composición definitiva que luego regraban. Las composiciones van tomando forma mientras se van haciendo y no se trabaja con ideas preconcebidas. Es decir, no hay un deseo a priori de llegar a algo a un resultado o concepto concreto, este se va materializando durante el proceso. Esto no explica por sí solo lo grandioso de los resultados (ya que no depende solo de los métodos para hacer grandes obras) pero quizás sí en parte la particular forma de sus resultados.
Actualmente todos los miembros de Tuxedomoon viven en diferentes partes del mundo, por lo que para poder grabar este disco tuvieron que juntarse en un punto neutral. El lugar elegido fue la pequeña ciudad de Cagli en Italia, cuyo encanto se coló en el resultado final del disco, siendo la ciudad una influencia reconocida por los miembros de la banda. Cuando uno escucha la obra tiene la sensación de estar dando un paseo nocturno por alguna ciudad europea, entrando y saliendo de lugares y ambientes. Se manejan varias voces, diferentes idiomas, varios géneros, varios estados de animo y hay largos pasajes instrumentales que recuerdan soundtracks de películas nunca filmadas. Hay inspiración tanto de músicas populares como de música de vanguardia, una decidida heterodoxia de recursos y formas, que va de la chanzoneta italiana a la experimentación con cintas, del free jazz al techno pop. Pero estas diferentes formas musicales no son copiadas y pegadas, sino que se deforman para encajar en el maravilloso universo personal de Tuxedomoon, una banda increíble capaz de tocar en museos de arte contemporáneo como en programas pedorros de la RAI y seguir siendo la misma. Es por eso que si bien la variedad de estilos es amplia, el disco tiene una fluidez casi conceptual que hace a veces dudar a uno donde es que empiezan y terminan los distintos tracks.
Quizás me arrepiento de haber dicho la palabra after punk al principio de esto, porque Tuxedomoon esta a años luz de parecerse a una banda de género y eso puede confundir. Algunos elementos “de género” se puede decir que tiene: el bajo, lejos del rol sumiso que tiene en el rock tradicional, tiene un protagonismo fundamental, hay una predilección por trabajar mas en el sonido general que en hacer demostraciones circenses de técnica instrumental y es una música decididamente nocturna y urbana (no lleven discos de Tuxedomoon a Cabo Polonio, no va a funcionar). Pero en realidad mantiene lo mejor de las mejores bandas de after punk: explorar terrenos nuevos gracias a la liberación sobre reglas que se imponian al rock gracias a consecuencia e inspiración (quizas no voluntaria) de algunos elementos del punk. Let´s just say this is the way.
La imagen de estas cuatro personas ya grandes, grabando hermosa música en una casa en una villa italiana me hace pensar que poco les debe importar ser parte de alguna moda y lo relativo de los conceptos de “éxito” o “fracaso” que dominan el mundo de la música pop. Algo en realidad tan obvio, que no debería estar aclarándolo.
Desde esta exitosa reunión Tuxedomoon no se ha vuelto a separar. En el 2006 hicieron otro disco, Bardo Hotel Soundtrack (cierto homenaje a Burroughs, Gysin y el cut-up) y para celebrar el cumpleaños numero 30 de la banda lanzaran próximamente un nuevo disco.


[1] Mike Hudson de los Pagans decía en biografía: “Todo el mundo en Cleveland estaba en una banda o casado con alguien en una banda o tenia a su hermano en una. Todo el mundo. El pibe del delivery, el policia que te ponia una multa por exceso de velocidad, hasta el Sargento que trabajaba en la oficina de reclutamiento.”