20150104




Bueno. ¿Qué pasó que vuelve KYT?. Eh Eh. Que pasaaaa.

 Pasó que ayer vi la peli australiana The Babadook (Jennifer Kent, 2014) y como decíamos con Ezequiel Rivero a principios de este siglo: "Me posteo encima".  

¿Porque? Porque creo que es la mejor película de terror que veo desde, mmmm, desde...bueno, no sé,  pero hace mucho tiempo que no veía una tan, pero tan buena. No quiero dar mucho color, por el tema de que no esta bueno elevarle demasiado las expectativas a la gente antes de que vea una película, pero esta es una de esas películas que las ves y te das cuenta inmediatamente que estas ante un nuevo clásico del género.

 No voy a analizar en detalle la trama porque no quiero contar mucho sobre la historia, por el simple hecho que no quiero spoliarles nada de la trama.  Pero es un thriller psicológico, sobre una madre que vive en una casa sola con su hijo. Este es huérfano de su padre, ya que el mismo murió en un accidente automovilístico cuando llevaba a la madre parir al hospital (haciendo que el  cumpleaños del pibe coincida con el aniversario de la muerte del padre. Si si: todo mal). 
 El niño crece así en un ambiente y una situación bastante delicada, que  ha fomentado la ya de por si activa imaginación y el miedo a los monstruos, típicos de los niños, pero a un extremo que roza lo patológico (en este caso el miedo es a un símil cuco llamado The Babadook). Esto le trae problemas en la escuela y en la relación con otros niños. Ese comportamiento poco sociable hace que la situación de aislamiento se retroalimente: cuanto mas aislado esta, menos contacto con la realidad tiene y esto se vuelve mas extremo cuando el niño no puede continuar en la escuela por su extraño comportamiento, quedando solo con la madre (con sus propios traumas, culpas y creciente fragilidad mental) encerrado en una  enorme casa victoriana, llena de recuerdos del reciente pasado familiar. La casa es prácticamente un personaje más y fue construida especialmente para el film.

 No voy a contar más de la trama. Pero voy a señalar algunos elementos que me gustaron del filme: 

-Perfecto manejo del lenguaje cinematográfico en lo que se refiere a lo narrativo y su vinculación con lo estético, que hacen que el filme mantenga un perfecto equilibrio entre los niveles de lo sobrenatural y lo terrenal, que es por donde generalmente oscila el desarrollo usual de este género, pero no siempre esta tan bien logrado y es donde muchas veces se falla cuando se quiere hacer una película de este tipo.  En lo que se refiere específicamente la puesta en escena, destaque especial para la cuidadísima fotografía, que logra mantenerse expresiva y elegante, sin caer en ese tan costumbre tan actual de ser tan destacada al punto de resultar distractora de la trama. 
 (Eso de "Mira que lindo plano eh?, mirá que linda foto eh, mirá como esta todo re simetrico eh eh, que capo que soy eh eh". Tas sobrevaluado Wes Anderson!)

- Siempre digo que en las películas de terror (por lo menos en las buenas) la parte sobrenatural del terror que se manifiesta  esta siempre acompañado (o incluso sostenida) con una exploración de miedos más terrenales y cercanos al espectador ( ya sean miedos concretos de un tiempo, espacio o cultura o miedos mas universales) pero siempre de miedos con los que el público se puede sentir mas identificado que al miedo a un monstruo fantástico. En este caso, ese miedo explotado esta vinculado con la a veces complicada experiencia de criar un hijo y de los sentimientos contradictorios de amor y odio que esta puede causar.  Un tema del que se habla poco y no se trata muy seguido en el cine nuestra cultura, que suele glorificar e idealizar la maternidad sin hablar nunca nada de ningún aspecto del tipo negativo (o por lo menos, ambiguo) que esa experiencia puede llegar a tener. La película lo hace muy bien, y con un tratamiento cuidadísimo, acertado y muy actual (esta por ahi el tema de endrogar a los niños para que se tranquilicen), y con una visión que se apoya muy bien desde una perspectiva muy femenina. Se nota que la directora debutante (la ex actriz Jennifer Kent) es mujer. También se nota que es ex actriz, ya que parece haber  trabajado sobre este tema muy de cerca con la actriz protagonista, Essie Davis.

-La película se basa en recurso, modelo y tradición de historias de El Monstruo/Mal/Maldición no-se-va-a-ir-hasta-que el protagonista enfrente su conflicto/trauma no resuelto del pasado.Tradición casi modélica del genero fantástico de Lejano Oriente (no solo en películas de terror, sino que en sus historias tradicionales, lo que tiene que ver con la cultura y cosmovisión japonesa) pero no tan común (o por lo menos, tan explicito) en la cultura occidental. Este préstamo se deba probablemente a la gran influencia y vitalidad de genero de terror oriental en los últimos años, pero que aquí, cuenta con un pequeño giro al final (¿un giro occidental quizás?) que no voy a discutir tanto ahora porque no quiero arruinarles el final la historia y QUIERO QUE VEAN LA PELICULA, pero del que estaría bueno discutir una vez que la hayan visto.

Ta ESO. Una película consciente de su genero y respetuoso del mismo, con un toque a la vez clásico y moderno, pero actualizado, sin caer en el modelo de referenciar superficialmente típico la posmodernidad o (post post o que se llame lo que estemos viviendo ahora).

 Recomendada con amor. Con esto cumplo mi post anual, asi que no nos vemos hasta el 2016, cuando postee desde las Olimpiadas de Rio.

 Trailer de la peli: 





20130503



Si bien hay ejemplos todos los días (a todas las horas, todo el tiempo) de como nos hemos sometido a los deseos del Dios del Mantenimiento del Negocio Eterno y como este nos ha hecho cambiar las nociones de lo que creemos que es normal, natural y deseable, este es un ejemplo perfecto:


El Sindicato de Artes Gráficas y la Asociación Uruguaya de Publicidad Exterior se manifestarán frente a la IM en reclamo de un nuevo marco normativo para la publicidad en la vía pública


 La IMM da un (ultra) tímido paso para reducir una de las cosas que mas afean nuestra ciudad y ocultan su bella arquitectura: la horrible carteleria publica y la invasión cada vez insoportable de la publicidad en nuestra vida diaria y su usurpación despiadada de los espacios públicos (¿A donde uno tiene que salir a caminar sin ser atacado visualmente por una oferta de celulares o alguna otra horripilante y fea ocurrencia visual de algún publicista?).
 Subrayo que en mi opinión la medida es super timida. En lo que refiere a publicidad en la via publica yo soy medio amish: pienso que es obra de satanás y que fomentar el consumo nos conduce a el apocalipsis.
 El Sindicato de Artes Gráficas y la Asociación Uruguaya de Publicidad Exterior y Medios Afines sale a protestar por esta nueva normativa con el argumento con el hace tiempo todo se justifica: mucha gente vive de eso y se van a perder fuentes de trabajo. Es decir, hay que satisfacer al Dios del Negocio Eterno sin importar lo que este pida.
 Ese es mi problema con este asunto: la justificación de su protesta porque un negocio se ve afectado. Con el solo argumento de "perdida de fuentes de trabajo" puede justificar el trafico de niños, la esclavitud, la caza furtiva, el comercio de pasta base, privatizar el oxigeno o cualquier aberración que genere dinero y trabajo.
 Perdón por adelantado por ejemplificar este razonamiento con este caso puntual, ya que escucho a diario gente que justifica sus injustificables acciones con argumentos del tipo: "Pero es dinero" o "Es trabajo" y no digo nada. Incluso gente que dice que quiere cambiar el mundo y dice estar en contra de "El Sistema Capitalista". Es muy exagerado comparar esto con el trafico de niños, pero quiero ser claro en que con recurriendo simplemente a ese argumento se puede justificar cualquier cosa.
 El justificar todo con EXCLUSIVAMENTE esos argumentos se ha vuelto tan normal que hemos perdido la conciencia de lo poco natural que realmente es ese argumento y los peligros a los que nos conducimos como sociedad si TODO lo justificamos de esa manera. Rechazar trabajo o dinero por razones éticas personales se ha vuelve cada vez tan raro que entramos ya (hace mucho tiempo) en un peligroso camino sin retorno. Estamos tan engañados por el Dios de Mantenimiento del Negocio Eterno que pensamos que este es real y todo lo que nos ordena es natural. Nos olvidamos que este solo existe hace un puñado de siglos (es decir, nada) mientras el Dios de la creación y la belleza agoniza olvidado en algún lado.



20120723

Como buen blog en decadencia por semi-abandono, KYT presenta un nuevo mixtape. Este ni siquiera fue especialmente hecho para este blog, sino como regalo personal para un amigo que luego decidió subirlo a mixcloud,  así que mas desprolijo todo aun.
 Ta, para que la historia sirva de introducción, este mixtape fue hecho con la intención de que mi amigo extranjero (Nikita, de los geniales AWOTT a quienes aprovecho a promocionar) conozca un poco mas de música que mi me gusta de Latinoamérica. Obviamente es algo imposible de resumir en una hora, asi que no espero que se tome como la lista definitiva de mvc de rock latino o algo asi. Son simplemente canciones que pegan bien juntas y me gustan mucho. Planeo hacer secuelas de esto en el futuro asi que no me vengan con que porque no pusiste a los fulanos o cosas asi. La lista es bastante variada, no hay implicaciones temporales o estilísticas en la selección de los temas. Lo único que tienen estos artistas en común es que me gustan a mi, o sea 100 % subjetividad.


 Ahora pienso que debería estar escribiendo esto en inglés, para que el lector no latinoamericano que este leyendo esto que llegue aquí de casualidad pueda entender de que se trata esto, que además porque es el tipo de persona a la que iba dirigido este mixtape. Hay un texto en ingles que voy a poner al final de este post que es el que originalmente le mande a Nikita para que sepa algún dato de lo que estaba escuchando. Supongo que leído por algún local el texto va resultar gracioso.
 Anyway: YOU! Yes YOU! Foreign non spanish speaker visitor that landed on this blog. Here`s a mixtape of latin american artist that I personally like. Please enjoy and if you want to know more about the artists featured here, please read the text bellow (or just google them).


 Ah, me olvidaba el arte de tapa que eligió el pibe es una foto de Antonella Moltini.


 Bueno, si mas introducción, aquí esta el mixtape:




 When Nikita ask me to collect a mixtape for me with songs that changed my life, my mind and attitude towards music i was afraid to do a very boring and predictable mixtape. I mean, most of that songs are very "classic rock songs". So, instead of doing a mixtape with Sex Pistols, Joy Division and Black Sabbath songs that everybody already heard I did one only with local and regional bands that shock my life. Most of them are from Uruguay and Argentina, but also from other parts of Latin America. Here it is. 

1.Travesti - Juventud Residual
 Axito was the perfect soundtrack of the latin american financial crisis in the begining of the XXI Century. It fitted perfecttly with the zeigeist of the time and Travesti was the band that recovered my faith with the true spirit of punk. I truly think that Travesti is one of the top 5 five best bands of world right now.
2.Dios - Los Campesinos
 I didnt like Dios (spanish for "God") the first time I heard it. It can be a hard at the begining, but once you like it, you fall in love. During the 90s this Buenos Aires trio of drums, bass and almost-spoken-word singer remind me that the best way to do music is create your own music (no guitar band in the 90s!!!). Pedro Amodio´s poetry is pure Buenos Aires like tango singer´s were in the 40s.
3.Los Gallos Humanos - Los Gallos Humanos
 Simultaneously of Dios in Buenos Aires, los Gallos Humanos marked his own way to make music in Montevideo mixing a simple piano player and singer that spitted dark poetry. When I was a teenager I didnt know if I like or not Gallos Humanos, but their crude originality captivated me. Now I love that band.
4.Los Estomagos - Gritar
 Los Estomagos were the best and most popular band in the Montevideo post-dictatorship scene. I´ve been hearing their songs since I was very very little child.
5.Sumo - Night & Day
 Sumo´s singer and leader Luca Prodan had a so cinematographic life that he became a regional rock myth and also a couple of movies about his life (the only good one is a documentary called "Luca"). From an aristocratic european family to the Cordoba mountains that guy bring a lot of information a creativity that changed the face of music around here.
6.Bogo - Pelea de monos
 Bogo is probably my favorite band right now in the Montevideo Scene. They had the main characteritic that i like from a band: they create they own universe and imaginery, not only through music but also through poetry, manifestos and drawings. When they are with the correct energy their live set can be mind blowing and truly cathartic.
7.Chicos Electricos-Por un papel
 Chicos Electricos were the first local band that I truly felt a strong connection. Nobody liked them. Not only my parents, but alson all of my friends back then liked them...so they stopped to be my friends. They were dirty, nasty, noisy and in their lyrics they talked about an underground and dangerous city nightlife that i didnt known at the time butlater became my life.
8.Los Saicos - (Fugitivo de Alcatraz)
 A lot has been written about the Saicos as been the first world punk rock band. I don´t care of that stupid competition of finding the first rare punk rock band in a third world country, I just love their noisy and primitive rock.
9.Os Mutantes - Panis et circenses
  Probably the best 60s south american band ever. Mindblowing creativity. They teach the continent that you can take a foreign music (psichodelic rock) and make it local only being yourself.
10.Siamese Rip - Varicela tiene a Timmy
 Two Montevideo´s teen girls (16 and 17 years old back then) that recorded some sound experiments some years ago a put them in myspace. They never released a record and only played live two times, but they truly make and impact in my life.
11.Pedro Amodio - Vida de pelicula
 Pedro was Dios´s singer. Now has a band called Muso Fantasma and sometimes he makes some solo experiments with samples, tapes and spoken word and put them in the web. That´s a fine example of that. Probably one of the best unknown poet of the spanish lenguange.
12.Eduardo Darnauchans - Cancion del tiempo y el espacio
 I love this man. My parents heard them a lot so its in my veins. Darnauchans transformed saddness in pure beauty.
13.Cross - Margat
 Like Chicos Electrico´s, Cross is another cursed underground band with more hatters than lovers. I didnt care in the past, I dont care now. This ballad is not of the kind of most numbers in their records (they are more hard-rock oriented) but the lysergic tale that is told in the lyrics descrive my teen years perfectly. 
14.Buenos Muchachos - Vamos todavia uruguayo
 Buenos Muchachos are my favorite band of Uruguay and probably the world. They are so Montevideo-feeling that I dont if foreigns can apreciatte their music. The most important lesson that they taught me was that you can make rock music that doesnt sound foreign without appealing to "roots music" only being yourself and breathing the same 
air that everybody in the city does.
15.Los Negretes - Cancion Lenta
 Los Negretes are a fantastic mexican rock band. This velvetian "cancion lenta" is my favorite number in their brand new record (Mexico City Blues).






20120131

I Killed Hip Hop

 Me levante una de las primeras mañanas del 2012 con una sorpresa. Mientras  tomaba el primer café del día y checkeaba las novedades en redes sociales una pequeña noticia se estrelló contra mis ojos:

OMG
OMG OMG OMG
OMFG

LIL B IS ON THE COVER OF WIRE MAGAZINE!

 Mientras una parte de mi se reía a carcajadas mentales, otra parte se sentía de una manera que no puedo describir porque no hay una palabra que pueda ilustrar esa sensación que era nueva en mi. Era como una especie de "nos tapó el agua" pero no en sentido irónico o negativo, sino que en un sentido positivo. ¿Se entiende?.
 No es que fuese una sorpresa total. Lil B ya había aparecido a mediados de año en un dossier de la revista sobre "nuevo hip hop" junto a Odd Future y NRK. Teniendo en cuenta que Lil B es uno de los fenómenos musicales y artísticos mas propios de los tiempos que corren (es decir, es algo re de ahora) no es del todo raro que, la que es para muchos  la mejor, mas seria y mas completa revista de música de la actualidad, le dedique una portada a Brandon Mc Cartney (su verdadero nombre).

 Para los que no tienen idea que quien es este pibe, les voy a pasar a explicar una de las cosas mas curiosas de todo este asunto. Si bien Lil B tiene el respeto de algunos críticos, colegas y fans del genero, tiene al mismo tiempo un enorme (enorme posta) numero de detractores. Sus videos en youtube tienen un alto porcentaje de "no me gusta", comparable por ejemplo con el video de Friday de Rebecca Black. En los comentarios son muchas las personas que lo insultan, expresan su odio, amenazan de muerte y que lo catalogan como the worst rapper ever o dicen cosas como this nigga killed hip hop. Todo ese odio no es ignorado por el artista, que se alimenta de él y es parte recurrente del universo de temas que suele tocar en sus canciones. En algunos temas él mismo suele presentarse como the worst rapper alive y tiene un tema con el fantástico titulo de I killed hip hop.
 No es difícil entender a los detractores. Yo mismo sufrí sensaciones encontradas la primera vez que vi un video suyo. Al mismo tiempo que no podía parar de verlo y volverlo a ver, me preguntaba a mi mismo...eee mmm,  ¿Esto es en serio? ¿Es una parodia de SNL? ¿¿¿Esto es real???.
 Es que  superficialmente y a primera vista Lil B parece una caricatura. El artista utiliza una serie de clichés y estereotipos sobre el genero y mundo del hip hop amplificados al máximo posible. Con ese mecanismo de magnificación, reduce esos tópicos a un mensaje mínimo que puede resumirse en un murmullo perpetuo sobre los temas mas habituales del rap (sobre todo los que surgen a partir de la segunda mitad de los 90s, mas centrados en la fama, las joyas, las chicas, el sexo, etc.). Su método de llevar a un extremo clichés de genero da como resultado que estos pasan a perder su sentido original, se vuelven ridículos y pasan a convertirse en otra cosa. Para apreciar la realidad, lo mejor es no tratar de copiarla sino que es mejor exagerarla.  Esto no es tan evidente para todo el mundo,  si bien a mucha gente no le debe gustar Lil B por razones legitimas, otros simplemente no están entiendo el chiste.



 Llena aparentes contradicciones, su obra es enorme, diversa y compleja en detalles. Lo del Lil B no es solo música, sino que es un fenómeno mas rico, que trasciende a la música misma y nos da a conocer claves de cómo podría funcionar el mundo de la música y el entretenimiento en esta nueva era. El fenómeno es tan raro que hasta hace poco, cuando  los "críticos serios" hablan sobre él,  piden excusas o justificaciones ya que sienten algo de culpa al tratar con normalidad a un artista que tiene un hit que repite durante mas de tres minutos la línea:

Bieber, Bieber, Bieber, Bieber, Justin, Justin, Justin, Justin,  I think i´m Justin Bieber. 

 Pequeña introducción. Si bien la figura de Lil B ha crecido mediáticamente el ultimo año, Brandon Mc Cartney conoció el éxito bastante joven, a los 16, cuando en el 2006 el colectivo The Pack (del cual es miembro) pegó un hit nacional con el tema Vans. Eso le permitió conocer de muy chico como funciona el mundo de la fama, las giras, conciertos, etc.  En definitiva, ver como funciona la industria musical por dentro.  Sin embargo, no se la jugó por entrar al mainstream de una y optó por pasar los siguientes años de su vida en el lugar que eligió como centro de su plataforma de conquista mundial. El único lugar que donde uno estando en un solo lado, puede estar en todos:  internet.
 Lil B tiene una onda y estética muy cuidada, pero no deja de ser un nerd; asegura ser uno de las primeros usuarios de programas P2P en el mundo (y firme creyente en la filosofía del sharing) y aparentemente se pasa online 25 de las 24 horas del día. Las redes sociales (todas las redes sociales) son su centro de acción. No hay intermediarios entre él y su publico. No hay compañías ni managers. Lil B es una empresa unipersonal. Sin filtros, toda su obra es puesta online por el mismo para su descarga gratuita de inmediato al momento que la termina la acción de render. Al día de hoy sus canciones -entre discos oficiales, mixtapes y temas que sube a myspace (donde llego a tener mas de 150 cuentas)- ascienden a mas de 1500.
 De esta extensa obra, la calidad de sonido va del rango de pro re prolijo a grabaciones lofi caseras de bajos ultra saturados.  Los beats y samples son muy interesantes cuando se lo propone, pero también muchas veces, mas que hacer samples, simplemente hace una especie de karaoke cascudo arriba de pistas originales (como Cold War de Janelle Monae o Neighborhood 3 de Arcade Fire). Hay que aclarar que un porcentaje alto de estas canciones son muy similares entre si. Comparten la misma repetitiva, infantil y narcótica línea melódica (que para algunas personas es de lo mas irritante) y un puñado de recursos repetidos. Por ejemplo: una intro llena de OMGs,  la repetición permanente de la palabra swag como apoyo rítmico y un freestyle muy grosero y atorrante que  usa permanentemente frases recurrentes como hoes on my dick coz i look like...(aca uno puede fill the blank con George Clooney, Dark Vather, a french man, Jesus, Matlock, Bill Clinton, un marciano, etc).
 Si bien tiene otro tipo de discos, hay mixtapes oficiales enteros (de mas de 60 minutos) en que prácticamente no sale de este esquema, volviendo su escucha para algunas personas en una experiencia insoportable . La primera vez que escuche Everything based casi abandono su escucha a los 20 minutos, pero luego me dejé llevar por ambiente que generaba, un mantra hipnótico y marihuanero que me hizo sumergir en un estado de paz y felicidad interior que solo se puede entender si uno se deja llevar por esta propuesta y consumirla de manera excesiva . Con todo lo idiota e infantil que es en apariencia esta faceta de la obra de Lil B, uno puede llegar a estados realmente profundos si se mete de completo en su mundo.



Uno de las obsesiones de este artista es el mundo del showbizz y las celebridades. Tiene una serie de temas en donde se convierte en ellas y rapea en primera persona. Lil B ya ha sido, entre otros, Paris Hilton, Miley Cirus, Charlie Sheen, Bill Clinton, Justin Bieber, George Clooney, Bill Gates, Dark Vather, Hugh Hefner, Mel Gibosn, Martha Stewart o Jim Carrey. El mundo ultra-mediático parece fascinarlo. Sus letras en estas canciones son como si vomitase información que ha adquirido luego del consumo de canales como TMZ o E! en cantidades industriales durante años.
  La lirica en Lil B, aunque parezca chiste, es un elemento de lo mas identificatorio, ya que en esta serie de canciones mas despreocupadas, Lil B se gana justificadamente el titulo de asesino del hip hop. Es decir, uno de los argumentos que los defensores del hip hop como genero valido artísticamente siempre ha sido decir que en sus letras había poesía. Callejera o no, el hip hop es en parte un arte literario, un arte donde el manejo de las palabras es importante. Para ser un buen MC uno tiene que leer y tener un vocabulario extenso para hacer buenas rimas. Bueno, Lil B tiene de eso en muchos de sus discos, pero también cosas que son difíciles de hacer pasar como poesía a un estudiante de letras:

Everything Hilton
Hotel Hilton
Bitch, I want a million
I'm Paris Hilton
Watch Paris Hilton
Where is Nicky Hilton?
I'm Paris Hilton!
Swag Paris Hilton
Bag Paris Hilton
I think I'm Paris Hilton
(I´m Paris Hilton).

 Es como la antipoesía total. Por esta razón, Lil B, me hace acordar frecuentemente a algunos temas del Mc Caco, pero principalmente a ese gran poeta y filosofo argentino llamado Pity Álvarez. Rimas infantiles, delirios marihuaneros y surrealistas que al mismo tiempo revelan grandes verdades de la vida retratadas de manera simple y concreta. También es un poco el mecanismo de Sacha Baron Cohen, de tratar temas muy serios  desde un sentido del humor burdo y grosero.

 Es que hay toda una filosofía detrás de esto. Tiene nombre y todo.

Un amigo me dijo que tenia la teoría de que Lil B hacia todos estos discos en los que aparentaba ser un retardado, para que cuando sacase sus discos mas normales, en la comparación se lo considerada un genio. Su disco "serio" oficial del 2011, I´m gay (I´m happy), no tiene nada de los elementos que nombramos anteriormente. Los beats son originales e interesantes, la producción es cuidada y de calidad y las letras no son del tipo retardado. Aquí se dedica a explayar su filosofía, the based philosophy, y sus nociones sobre genero, sexualidad, ecología, política, son puestas a la luz. Una filosofía que es tan simple y autentica que es medio difícil de explicar, ya que si uno se complica, y se pone a pensar demasiado, la caga. Si quieren saber mas escuchen el disco o vivan la extensa experiencia de escuchar su disco de 2010, Rain in England, un disco sin beats donde Lil B se explaya sobre su filosofía y opiniones sobre todos los temas, siempre desde su particular perspectiva, donde, entre otras cosas, tiene diálogos con Dios que lo nombra personalmente su representante en la tierra. Es como que -en parte en serio, en parte en joda- Lil B jugase con los delirios mesiánicos de algunos artistas. En complicidad con sus fans ha creado toda una mitología pop alrededor de su figura como el basegod, que es, por lo menos, divertida.



 Based is being positive, being yourself. It doesn't really matter what people say about you. Based is living life, loving life, and being a free artist, putting your art out there and still having love and being positive 

(LIL B)

 Bueno, nos vemos no se cuando. Capaz la semana que viene, capaz en el 2014. KYT, un blog errático, pero que nunca muere.

20111227

The Medium : Italian Explotation Movies Soundtracks Mixtape vol.1 KYT

Retorno a KYT para ofrecerles como regalo un modesto mixtape con algunas de mis piezas favoritas extraídas de soundtracks de películas italianas explotation de los 60s, 70s y 80s.
 Gracias a toda la cultura de internet que se encarga recuperar/rescatar/reivindicar algunos productos culturales del siglo pasado que en su momento no fueron tomados en cuenta como  portadores de algún valor estético, estos compositores viven desde hace unos años en un pequeño y modesto revival.  Este fenómeno se vio muy recientemente re-alimentado por las constantes referencias o sampleos de artistas pertenecientes a ese mamarrachesco fenómeno llamado witch house.
 Les puedo asegurar que antes que internet existiese, salvo casos como los de Ennio Morricone o en muchísima menor medida Riz Ortolani, los nombres de estos compositores solo eran retenidos por frikis de videoclub fanas del cine de terror que simplemente se aprendían los nombres de tanto mirar películas. La critica de cine "moderna" (me refiero a la formada en los 50s y 60s) nunca tomo en serio a estos filmes. Para ejemplificar este ninguneo, tengo el recuerdo que unas de las pocas películas que tenia una sola estrellita de calificación en los boletines de Cinemateca era Suspiria de Argento. Si Suspiria (obra maestra del género)  tenía la calificación mínima, supongo que según ese criterio, cosas como Zombie Holocaust deberían estar calificadas con números negativos de dos cifras.  En su momento estas bandas sonoras rara vez se editaban fuera de Italia, con lo que, hasta la llegada del video y sus reediciones, esta música solo era escuchada  cuando las películas se proyectaban en los ya desaparecidos cine barriales. Su permanencia en cartel era en general era rápida y fugaz y al publico que estaban destinadas mayoritariamente, rara vez les interesaba la película como forma de arte, menos aun su música. 
 Lógicamente, el rescate cultural de estas bandas sonoras se dio como consecuencia del rescate cultural de estas películas. Lo curioso de esto, es que el mismo fenómeno que termino matando a esta industria fue el que ayudo a su revalorizacion cultural. 
 Todas estas películas que imitaban (creativa y libremente) a exitosas películas de genero norteamericanas, y que al mismo tiempo creaban algunos géneros propios (el giallo o el mondo por ejemplo) estaban destinadas al circuito de cines clase B (barriales, periféricos, las matinees de vacaciones) los que terminaron desapareciendo con la presencia del video en los años 90s.  A diferencia que el cine explotación Norteamericano que transformó el circuito clase B en películas para estrenar directamente a video, la industria italiana de película explotation nunca pudo adaptarse del todo a este nuevo escenario, muriendo lenta y agónicamente durante esa década (habría que meter en la ecuación de la explicación de este deceso a algunas malas decisiones gubernamentales del momento con respecto a la industria del cine italiana). Fue a través del nerdismo cinematografico fomentado por los video clubs, que en esa década, estas películas, especialmente las de Dario Argento y Lucio Fulci, fueron empezadas a ser tenidas en cuenta nuevamente, siendo algunas reconocidas tardíamente como grandes, o por lo menos, interesantes obras de arte.
  Hay algo interesante  en los que se refiere estas  bandas sonoras. 
 Cuando uno entra en la fascinante tarea arqueológica de desenterrar joyas olvidadas de la cinematografía italiana de serie B, uno no tarda en darse cuenta de algo:  hay un puñado de grandes maestros y grandes películas, pero cuando uno entra a investigar que hay mas allá de Mario Bava, Dario Argento o Lucio Fulci uno empieza a encontrar otro conjunto de directores "menores" bastante interesantes y siempre con por lo menos una película pasable. Pero en la obra de estos segundones, suelen encontrarse, de manera acentuada, algunas características ya presentes en las obras de los directores mas conocidos. Por ejemplo, una notoria tendencia en preferir tener algunas escenas estéticamente ricas y espectaculares distribuidas a lo largo de la historia que en construir un filme parejo y con una narrativa más o menos coherente.  Esto  sumado a la escasez de recursos absoluta en la que se trabajaba, la poca formación de algunos actores, la a veces inmanejable para un director, lógica de explotation sobre películas americanas con que se trabajaba o el simpático caradurismo de algunos de los directores que estaban detrás de cámaras, da como resultado que la gran mayoría de las películas -al mismo tiempo que casi siempre tienen por lo menos alguna escena que de algún modo es original, innovadora e interesante-  en promedio, y en conjunto, la mayoría de las películas son una bosta.  Lo interesante aquí es que por mas impresentable que sea la película, las bandas sonoras son en general de gran nivel. Esto se debe a que la industria del cine del cine italiana funcionaba como una pequeña gran familia de lógica de funcionamiento en cadena, los compositores trabajaban en varias bandas sonoras al año de todos los géneros y presupuestos posibles. Es que al mismo tiempo que Morriconne trabajaba con grandes directores en Italia o en Hollywood nunca le hizo asco a componer el soundtrack de un giallo, los compositores italianos, por mas nombre o talento que tuviesen, trabajaban en lo que hubiese que trabajar.
 Nunca me he puesto a analizar o investigar la razón de porque estas soundtracks tienen algo especial y diferente para ser consideradas como una especie de genero diferenciado dentro del mundo de las bandas sonoras. Probablemente como todo en la  vida sea una mezcla de factores que confluyeron para que esto sea así. Hay que destacar la tradición clásica en la formación musical italiana combinado con el hecho de que estos compositores se formaron en los vanguadiosos años 60s. Un factor que creo importante estuviese en el aire la influencia de las obras de Morriconne con Sergio Leone, donde la banda sonora doto a sus películas de un poder y dimensión impensada hasta el momento, ya que rompían con varias reglas sobre lo que se suponía que debía ser una soundtracks, según, principalmente la dominante tradición norteamericana. Una de esas carecteristicas es que se rompieron los limites de lo diagetico y lo no diagetico en la relacion entre sonido e imagen. Cuando Morriconne metio gritos y voces en la musica de banda sonoras en medio de una escena en donde nadie emitia esos sonidos, habia una alta posibilidad y miedo de que eso crease una confunsion en el publico. En cambió logro algo magico, sugiriendo un increible estado superior, surreal y mistico. Ademas abrió puertas en lo que se refiere a la heterodoxia total de recursos de epocas, estilos, generos y instrumentos. Nutriendose en mucho de sus experiencas previas en el Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza. Morriconne se nutria de todo y estaba abierto a probar cualquier cosa, sin importarle que estuviese rompiendo reglas. ¿Guitarras electricas en el far west? Si, dale, mas bien. Se hace. Morriconne hizo normal algo que hasta el momento era muy raro: que la musica en el cine tuviese valor por si sola.


 Bueno, Basta. Vamos al mixtape. Que en parte he hecho porque he visto otros por el estilo que no me gustaron tanto, ya sea por snobs, previsibles o aburridos. 
Chau. Feliz Año.






The Medium : Italian Explotation Movies Soundtracks Mixtape vol.1 KYT


01.Claudio Simonetti  - The Medium 
02.Alessandro Alessandroni & Nora Orlandi  -  Vocalisation
03.Ennio Morricone - From Caravaggio to Canaletto
04.Bruno Nicolai - Spaziale
05.Roberto Predagio  & Walter Rizzati - Main theme beat version from Un Buco in Fronte
06.Ennio Morricone - Piume di Cristallo
07.Carlo Cordio - Hobtitle
08.Nico Fidenco - A dive into the past III
09.Nora Orlandi - The Bondage Suite #3
10.Walter Rizzati - Tema Bambino
11.Bruno Nicolai - Floriana/Satana e Irene
12.Francesco de Masi - Fay
13.Riz Ortolani - Adulteress Punishment
14.Fabio Frizzi - Voci dal nulla  
15 .Alessandro Alessandroni - Lady Frankenstein - sequence 1
16.Goblin - Suspiria
17 .Goblin - Sleepwalking
18 .Claudio Simonetti - Demoni
19.Riz Ortolani & Nino Oliviero - Cargo Culte (Finale del filme)
20. Armando Trovajoli - La Cumbia de Manuela (finale)

20110105

Una Película Serbia (Srpski film, Srđan Spasojević, 2010)


















 Había leído que Una película Serbia era un film inusualmente fuerte y que había tenido varios problemas de censura en distintos países y festivales alrededor del mundo. El rápido cotilleo global a través de la web  le dio rápidamente  fama de la película más enferma y escandalosa del 2010 y ya que estamos, de la historia del cine. Pero bueno, ¿que me iba a impresionar a esta altura del partido?. ¡A mí! ¡El mas crack de todos! ¡El macho de América! Holocausto Canibal, Saló, I spit on your grave, Guinea Pig, Lolita Vibrator Torture, Irreversible, Gore asiático, Traces of Death, Nekromantik, etc etc, Ya lo vi todo, ¿Que tan fuerte podría ser esta película?. Además, pensaba, el mundo se ha ablandado y los órganos censores están mas impresionables y ladillas que nunca;  la fama de esta película debe  ser exagerada, me decía a mí mismo. 


Error.


 La misma noche que vi la película no pude dormir. Daba vueltas en la cama como cuando a los 8 años vi por primera vez Tiburón en el cine. No podía cerrar los ojos sin que esas espantosas y enfermizas imágenes me volvieran a la mente. Subestimé a la película y sobreestimé mis capacidades de asimilar películas "fuertes". Por tres días no pude dejar de pensar en ella.  En parte este post es una manera de exorcizar los fantasmas que me dejó incrustados en el cerebro. Una película Serbia era por lejos la película más retorcida, escabrosa, maliciosa y enferma que había visto en mi vida. Ultra violenta, ultra escabrosa, ultra explicita, ultra, ultra, ultra; los estándares del "nivel de violencia tolerable" habían sido sacudidos, violados y decapitados.  Estamos en otro nivel, pasamos de pantalla. 
 Y lo peor de todo es que había algo que la diferenciaba de otras películas retorcidas que había visto en mi vida y es que no era solamente retorcida, era al mismo una película muy inteligente. No trata solo de impresionar por el gusto de escandalizar viejas, burgueses y censores. La película tenía un contenido, un mensaje, era una película muy profunda, con varias puntas y capas de significado. Probablemente si viese el filme más veces (cosa que no pienso hacer nunca en mi vida) seguiría descubriendo nuevos elementos para interpretar y sacar conclusiones. 
 Dicho sea de paso: no comentan el mismo error que yo cometí. Si son personas sensibles no miren la película. Olviden su existencia y ya de paso, no lean de ahora en adelante. Están advertidos. Si Irreversible o Audition te parecieron películas fuertes tengan en cuenta que al lado de ellas, Una película serbia,  es un capitulo de Padre de familia.  Hay  miles de otras películas por ahí para entretenerte por un par de horas.


 Milos (Srđan Todorović) es un prestigioso actor porno en vías de retiro. Tiene una buena casa, una hermosa esposa (Jelena Gavrilovic) y un hijo encantador. Una vida familiar perfecta que es secretamente envidiada por su hermano, Marko, un policía corrupto y solitario que tiene sexo con putas mientras mira películas protagonizadas por Milos. Este es celebre en el mundo del porno por poder sostener una erección sin ninguna ayuda externa y en cualquier cirscunstancia. También por la manera brutal y bestial en como coge. Es decir, por ser un actor porno perfecto. 
 Se hace bastante énfasis en este último punto. Entre las diferencias entre el sexo real y el sexo de la pornografía, porque es uno de los temas de la película, no solo refiriéndose al porno exclusivamente, sino a la representación cinematográfica de algunas acciones humanas "no aptas para todo público" y su relación con los deseos más primarios del ser humano. Esto me hizo acordar a una cita de Cristiano Shapiro que uso Nicolas en su post sobre Dennis Cooper que vuelvo a reproducir aqui: 


(Sobre la pornografía) Nuestro único interés al ver materiales explícitos es contemplar alguna miseria que todavía no hemos visto. (…) con la pornografía no se trata del erotismo, se trata de la humillación (…) se trata de la canonización a través de la degradación.


 Volvamos a la ficción. Milos tiene una vida casi perfecta, pero la carrera de un actor porno es limitada y está pensando en cómo va a mantener a su familia luego de su retiro. En ese momento es contactado por una vieja conocida y colega (Lejla, Katarina Zutic) para ofrecerle un papel en una película diferente, un nuevo tipo de cine, artístico, para un público selecto, hecha en Serbia pero para ser vista en el exterior.  Esta descripción concuerda un poco con Una película serbia, que fue abiertamente, y desde el titulo, fue pensada por sus creadores como una película tan serbia como exportable al circuito de festivales del exterior. La interrelación de la película en sí misma con la película dentro de la película es uno de los ejes centrares que hacen funcionar tan bien los mecanismos narrativos del filme. 
 Es así que Milos conoce a Vukmir (Sergej Trifunovic, de actuación pletórica), una suerte de empresario mafioso excéntrico y exitoso, con algo de artista radical y filosofo visionario que está buscando crear un nuevo tipo de cine que vaya mucho mas allá de lo visto hasta ahora. Vukmir es un ferviente admirador del arte de Milos y su famosa capacidad de poder excitarse en cualquier situación y momento. No le cuenta nada sobre el filme que está pensando en ofrecerle y se niega a darle un guión o explicarle de que va.  De hecho, esa es una condición innegociable para ofrecerle el contrato. Tiene que confiar en él y hacer la película a ciegas. Le ofrece a Milos una cantidad de guita impresionante y luego de consultarlo con la almohada y con su esposa decide aceptar, pensando que con ese dinero su familia va a poder vivir tranquilamente el resto de su vida. 
 Milos asiste al primer día de rodaje.  Se le da un auricular con el que recibe instrucciones para actuar en el momento y una serie de camarógrafos uniformados siguen sus pasos dentro de un orfanato abandonado. Ahí debe presenciar una serie de acciones dramáticas con una chica (aparentemente menor de edad) vestida como Alicia en el País de las Maravillas antes de tener que protagonizar alguna escena propia de una película porno. Pese a lo particular de la situación y método de rodaje, no hay aun nada raro en la película que le haga a Milos sospechar sobre lo que va a pasar a continuación. La siguiente escena no es tan agradable.   Nuevamente Milos es llevado a un lugar secreto y sus acciones siguen siendo guiadas por un auricular. En un espacio grande y solo parcialmente iluminado es forzado (a punta de pistola) a tener sexo con una mujer que ha sido golpeada y torturada (ni Milos ni los espectadores saben si se trata de ficción o no, ya que sigue sin saber de qué va la película que está filmando). La gota que rebasa el vaso para Milos, es cuando en plena acción sexual,  una luz se prende y revela que la jovencita vestida como Alicia en la otra punta de la habitación presenciando todo plácidamente. 
 Esto es más que suficiente para Milos, que decide al día siguiente enfrentar a Vukmir y decirle que va a dejar el proyecto, sin importar que tanto dinero le ofrezca, ya que el no hace películas con menores. Vukmir no reacciona bien ante lo que Milos viene plantearle, y enfurecido al límite de la posesión divina, hace un pequeño discurso sobre cómo se siente decepcionado de que haya no haya entendido los alcances y el sentido de este nuevo cine que quiere crear. Antes de irse, decide mostrarle un fragmento de filme suyo para que le sirva de ejemplo para entender de que se trata este nuevo cine que está planeando. 


 No sé si debería narrar lo que muestra ese fragmento de película de Vukmir le muestra a Milos, no solo porque no quiero arruinar la "sorpresa", sino porque me da bastante impresión describirla y repasarla mentalmente.  Digamos como manera de adelanto que esta escena cuenta con una mujer dando a luz a un niño, un enorme eslavo pelado semidesnudo y que Vukmir llama a ese fragmento como parte de un nuevo género: newborn porn. Imagínense nomas (les dije al principio  que no debían seguir leyendo si eran personas impresionables, ¿por qué no me hacen caso? ¿Se piensan que estoy jodiendo?).


 Esa escena, tan violenta como exagerada (tanto que a mucha gente le puede parecer ridícula) marca un antes y después en la película, ya que de ahí en adelante no tiene límite en lo enferma en que se convierte. Probablemente  el director la haya puesto ahí como advertencia, ya que aún queda un tercio de película y la lógica de la misma es como en un incremento constante de violencia y degradación.  Es decir, si estoy poniendo esto antes del segundo plot point, no saben lo que les espera, váyanse ahora del cine o bánquesela (hasta el momento la película no había sido más fuerte que otras películas del estilo, de hecho tiene algunas escenas de tierna intimidad familiar). 
 Sin entrar en detalles, ya que la película entra en una espiral descendente hacia lo más oscuro y repulsivo del comportamiento humano que prefiero no revelar, el asunto sigue así: 


 Vukmir decide utilizar a Milos como actor contra su voluntad, raptándolo y convirtiéndolo en una especie de zombi sexual a través de una droga que lo mantiene excitado sexualmente ante cualquier situación por más horrible que sea y  que anula su voluntad y límites morales. Una especie de súper viagra para elefantes. Milos despierta tres días después en un descampado, sucio y ensangrentado, sin saber lo que hizo en esos últimos días. Decide investigar yendo a la mansión de Vukmir donde encuentra un montón de casetes filmados  con los sucesos que pasaron mientras se transformo en un zombi sexual y que él no recuerda.  Es a través de los casetes que va reconstruyendo lo que pasó. Y lo que pasó no está bueno.


 Como dije en la introducción, lo que diferencia a Una película serbia, de otros películas "enfermas" es que no se centra solo en tratar de ganar la competencia al filme más repulsivo de la historia del celuloide sino que es al mismo tiempo una película muy inteligente. Un thriller atrapante, una tragedia familiar nunca vista, narrada con gran sentido del ritmo, con buenas actuaciones y con una puesta en escena más que interesante y correcta.  Esa contradicción superficial es lo que hace que filme sea doblemente incomodo, ya que es mas fácil descalificar (o aceptar)  un filme que sea solo un festival de escenas horripilantes e inmorales. Trata de temas serios y reales,  no es solamente un filme solo violento físicamente, sino que es mucho más brutal y destructivo para el espectador a nivel psicológico (en eso se acerca un poco al cine reciente de Lars Von Trier, salvando las diferencias).  Y no piensen que el asunto se resuelve en algún momento y que el bien o el amor triunfan o algo así:  la última secuencia, sin ser la más violenta del filme en lo que se refiere a lo físico, es probablemente lo más amargo y deprimente que he visto en mucho tiempo. 
 Entonces, su incomodidad no solo radica en su violencia, sino en su contenido.  Srđan Spasojević, escritor, director y productor de la película dice: 


 La pelicula es un diario de nuestros abusos sufridos por el gobierno serbio...es sobre el poder monolítico de líderes que te hipnotizan para hacer cosas que no queres hacer. Tenes que  sentir la violencia para realmente darte cuenta de lo que se trata.


 Si bien no soy partidario de que los artistas revelen sus intenciones o el mensaje de sus obras, tengo que respaldar a Spasojevic a la hora de salir a develar el tema principal de su película para que sea vista como una metáfora.  Una metáfora  extrema y violenta, pero una metáfora al fin.  Quizás, en estos casos, con escándalos y superficial prensa amarillista alrededor de las crónicas del filme, es lo mejor. Pero no es el único tema que trata la película. Muchos otros temas pululan por ahí: las cosas que los seres humanos se ven forzados a hacer en una sociedad cruelmente capitalista para proteger a los suyos (que en países ex socialistas es un tema urgente y actual), las relaciones familiares hipócritas, las relaciones con el poder a través de la necesidad, la perversión sin límite y no reconocida en fondo de todos los seres humanos, como maneja el control social los deseos más perversos y oscuros del ser humano para hacer dinero, etc.
 Es difícil clasificar a esta película dentro de un genero. Formalmente es un thriller y si me permiten inventar un término, esta película es un perfecto snuffexplotation (es decir, un filme sobre películas snuff onda Hardcore, Tesis o 8 mm).  Pero va un poco mas allá y si bien no tiene nada sobrenatural, es perfectamente una película de terror. Una buena manera de clasificar a las películas de terror es ver que temor humano están explotando. Las películas de terror no inventan cucos que no existan en la realidad del espectador.  Tratan (si son buenas) de explotar un miedo que ya existe en todos. Aquí se trata del miedo a un mundo desconocido y oscuro que se esconde detrás del mundo "normal". De que existen redes clandestinas ligadas con grandes poderes desconocidos que actúan en las sombras, sin límites morales o legales y que en cualquier momento pueden irrumpir en la vida de las personas comunes y corrientes, y  de que detrás de las apariencias superficiales, un universo oscuro y depravado existe dentro de cada ser humano.
 El titulo de la película es otro punto interesante: Una película serbia. Sin conocer demasiado de la idiosincrasia serbia, me arriesgo a decir, que sin bien es una película pensada para que dé la vuelta al mundo, se trata de una película bien serbia que difícilmente podría haber salido de otro lado. Esta la idea del "salvajismo" y lo poco civilizado de los eslavos en general y de los eslavos del sur en particular. También  su nacionalismo exacerbado pero poco mas y hay mucho de prejuicio en toda esta imagen exterior que se tiene de Serbia. El asunto que se presente al mundo como "una película serbia" nos conduce a ver qué es lo que se sabe afuera de Serbia de los serbios, y en realidad lo primero que viene a la mente de cualquier persona es la guerra de los Balcanes.  Esto es lo que mas fácilmente la gente lo asocia y no esta ausente en la película, ya que es unos de los temas que se manejan.  Una guerra especialmente cruel y dramática, por ser bastante old school en algunos de sus métodos y trágica porque puso en guerra a personas que de un momento a otro pasaron de ser parte de un proyecto de país casi utópico a enfrentarse cruelmente unos contra otros. Uno puede pensar, que en lo que se refiere a horrores, es difícil que una película de ficción se ponga a la altura de una guerra real. ¿Que podría impresionar a personas que  probablemente hayan tenido contacto con historias o vivencias igualmente crueles?. La película es un poco la respuesta a ello. 
 Entonces, se usa esa fama de lo serbio, pera exportar la película, un modo de publicidad bastante perfecto. La resolución de la película, con el protagonista viviendo algo parecido a un  síndrome de estrés postraumático que viven algunas personas que vivieron una guerra, toma una fatal decisión, similar a la que suelen tomar las personas que sufren de ello.
 Hay otro "gran momentos serbio" de difícil interpretación para alguien que no conozca esa cultura: una asquerosa escena de incesto colectivo y Vukmir gritando algo así como "¡Por fin! ¡Una típica familia serbia!". Si bien juega un poco con la idea de lo serbio en el exterior al mismo tiempo un espejo bastante fuerte de lo nacional. Lo sorprendente de esta escena, no es tanto sus posibles interpretaciones dentro de serbia (imposible saberlo) sino como es que haya sido dejada pasar por la censura local para su proyección en el exterior, no se me ocurre como podría pasar eso en otro país. Pero voy a dejar de tratar de analizar lo propiamente serbio de la película porque tengo miedo de meterme en temas en los que no tengo idea. 














Lo último. Capaz que algún geek especialista en cine enfermo me diga que vio algo más horrible que esto, pero entre la gente maomeno informada, no hay dos opciones diferentes: Una  película serbia elevaba los estándares de lo que es una película violenta, dejando a muchas películas anteriores al nivel de Cacho Bochinche. Aun no he visto The Life and Death of a Porno Gang (Zivot i smrt porno bande, Mladen Djordjevic, 2009), película hermana de esta y que se suele presentar como parte de una nueva ola de cine serbio "radical" pero me pregunto cuánto se tardará en hacer una película aun más densa que esta. Sigo sosteniendo que esta película no es para cualquiera y no se la recomiendo a nadie a menos que quieran tener un mal viaje  (a veces los malos viajes son buenos). Pero el asunto es que (quiero creer) que se tardará un tiempo para que esta película sea superada, pero al mismo tiempo, con el paso del tiempo, la gente ira viendo esta película y algunos años será asimilada como lo fueron en otro momento asimiladas otras películas. Es aquí en donde el recurso de la película dentro de la película vuelve a funcionar. De alguna manera,  Spasojević es Vukmir, y está creando un nuevo cine. Quiero pensar que en el mundo real a nadie se le ocurría hacer una película como la de Vukmir, pero Spansojevic (metiéndola dentro de su película) la hace. Es una película literalmente vanguardista que va a cambiar algunas estándares de lo que es aceptable o no en la pantalla.  Y eso hace tiempo que no pasaba. Aunque no sé si celebrarlo o no. Estoy confundido. Eso es bueno. 













Agregado posterior:


Luego de escribir el post me di cuenta que había un elemento faltante en toda esta ecuación que creo que es determinante para que una película como esta surgiese.  
 ¿Que cambió en los últimos que haya hecho que en la tradición de películas extremas necesite dar un nuevo salto evolutivo hacia lo moralmente ambiguo y la depravación visual?. ¿Que fue lo determinante que hizo que necesitemos algo mas para ser shockeados?.


 Bueno, la respuesta es: 

Internet.


 Recuerdo, mediados de los 90s, cuando escuche por primera vez sobre la supuesta existencia de películas snuff. Desde ese momento hasta hace relativamente poco, la información sobre ellas siempre estuvo envuelta en un halo de supuestos y mitos, adquiriendo el estatus de típicas leyendas urbanas de fines de milenio y en definitiva no se sabía si realmente existían o no. En realidad, lo que estaba en discusión, era sobre la existencia de un mercado/circuito underground para ellas, porque teniendo en cuenta la depravada y sádica naturaleza humana a lo largo de la historia, que a alguien se le ocurriese filmar una muerte para después distribuirla era algo plausible y si no existía, era solo cuestión de tiempo. Hoy en día, con una internet mas rápida, anónima y de alguna manera, más libre, la duda se despejó.


Existen


El cine (mainstream o underground) la televisión (abierta o de abonados) tienen varios niveles e instancias de censura. 


Internet no.  


Desde hace unos años, una generación a crecido en un mundo sin censura para consumir imágenes. Esto no quiere decir que las películas snuff se hayan vuelto populares o masivas, pero videos de accidentes, mutilaciones o seres humanos metiéndose objetos extraños en partes del cuerpo se han vuelto material de consumo pasajero para muchas personas. Internet posibilito la circulación de este tipo de material de videos reales (o supuestamente reales), que dejaron a muchas películas retorcidas del pasado como entretenimiento para niños.
Ahora sí. Fin. Se cerró la ecuación. 

20100417

Sin una mejor excusa que el hecho de que de Jonathan Richman va a tocar en un par de días en Montevideo, acá va un post dedicado a algunas de mis canciones favoritas de Richman.
(No escribí sobre Roadrunner porque eso ya lo hizo Greil Marcus en Rastros de Carmín y creo que ya lo dijo todo)
























The neighbors, (Jonathan Sings, 1983)
A menos que le agarre esa beta infantil que bordea el surrealismo, y sobretodo después de la primera época con los Modern Lovers, en general, las letras de Richman son transparentes y nunca es difícil entender de qué hablan . Su original talento se centra precisamente en esa característica que hace uno se identifique de inmediato con sus canciones. Su “complejidad” (si se la puede llamar así) viene por otros lados. Uno de sus mejores recursos se puede apreciar en The neighbors, una canción que parece hablar de una cosa cuando en realidad habla de otra.

Jonathan it's late, don't you think that I should go?
Naw, we were just starting to talk now,
It was just getting good do
n't you know.

Como muchos grandes poetas populares, Richman suele hablar con sensibilidad de temas que todos sienten, pero que pocos hablan y desde una perspectiva original. The neighbors parece hablar de una situación de infidelidad, una infidelidad muy Richman, ya que no se trata de un affaire malicioso o sexual, se trata de algo mas inocente, y quizás por eso, mas grave. Es decir, Richman no esta cagando a su mujer, simplemente esta teniendo una larga charla nocturna con una amiga mientras su mujer no esta en su casa, y en el momento de mayor contacto físico, simplemente se toman de las manos. Uno puede sentirse fácilmente identificado con esta situación. Mas de una vez a uno le puede haber pasado estando en pareja, sentir en una conversación con una chica, que hay una conexión tan profunda que se siente cierta culpa, por mas que técnicamente no este haciendo nada malo. La canción describe perfectamente esta sensación tan intima que bien podría ser simplemente eso, pero cuando llega el estribillo nos damos cuenta que este no era su centro temático sino que un simple preámbulo para llegar a lo realmente importante:

But if I leave here in the morning. Yeah.
What will the neighbors tell your wife?

Well my wife knows me by now

So there's no need to let the neighbors run my life.

No, no need to let the neighbors run my life, no no.


¡Si!. Richman logra así llevar esta descripción de una situación intima y concreta para darnos un mensaje universal y muy punk: DON´T LET THE NEIGHBORS RUN YOUR LIFE. Todo un lema sobre la vida personal y los derechos individuales. No dejes que los vecinos dominen tu vida, y ya que estamos no dejes que ni tu familia, tus compañeros de trabajo, tus amigos, tus profesores o lo que sea, dominen tu vida: mi vida es mi vida y si no te gusta FUCK YOU. (Entre lagrimas y buscando su abrazo) “Gracias Jonathan, nunca voy a olvidar esto, lo tendré en cuenta para siempre”.

Pablo Picasso (The Modern Lovers, 1972)
Si bien no va a ser la única vez que Richman hace referencia a un pintor en el titulo de alguna de sus canciones (Vincent Van Gogh, No One Was Like Vermeer) Pablo Picasso no habla en realidad de Pablo Picasso. ¿De qué habla entonces?.

Well some people try to pick up girls
And get called assholes

This never happened to
Pablo Picasso
He could walk down your street

And girls could not resist his stare and

So Pablo Picasso was never called an asshole


La letra repite 8 veces el nombre del insoportable pintor español, pero este simplemente está en la canción como recurso para hablar de otra cosa. Esta otra cosa no es del todo obvia, ya que no se explicita nunca, pero el tema pareciese ser sobre el increíble atractivo que sienten las mujeres por artistas famosos, por más que estos sean feos. Aun así, esto no es el centro de la canción, ya que el cada vez que la letra repite la frase Pablo Picasso was never called an asshole, Richman agrega un not like you. Richman no esta tratando de basurear al oyente desde una pose de rockero ganador, sino que esta buscando una identificación, poniéndose a esa humana altura. Richman fue todo un agente rebelde dentro del ambiente del rock, no por su rebeldía contra el sistema, sino por todo lo contrario, por su posición totalmente conservadora y algo careta dentro del ambiente supuestamente subversivo del rock marginal. Así Richman fue de los primeros en usar (en su caso, sinceramente) una postura anti macho rock star dentro del mundo del rock, hoy repetida hasta el hartazgo y sin sentido dentro del indie rock. En Pablo Picasso se posiciona a si mismo como un loser, siempre enamorado de la chica que no le da va a dar bola nunca porque ella prefiere a los hombres mas exitosos y populares. Hoy en día este lloriqueo se ha convertido casi que en un recurso para levantar minas, pero en su momento, Richman estaba haciendo algo muy original al situarse a si mismo dentro del bando de los perdedores.

Construida sobre una batería consistente, machacante y repetitiva a lo Moe Tucker, que con la producción y el tremendo piano de John Cale, lo hacen uno de los temas velvetianos de unas de las bandas mas velvets de la historia. A su manera hipnótica y minimalista, esta composición es uno de los clásicos mas grandes del punk, y porque no, de todo el rock. Mas allá de mi interpretación de la letra, escucharla es una pequeña y confusa experiencia por lo simple y claro de la letra, pero al mismo tiempo por lo ambiguo y sorprendentemente original del enfoque de la temática. La manera severa pero al mismo tiempo quebrada en cómo canta Richman contribuyen a esa extrañeza, ya que bien la letra podría haberse interpretada como algo gracioso, esta tratada como algo serio. Tan sencilla como contundente y ambigua, esta canción fue todo un manual para muchas bandas que le siguieron.

Velvet Underground (I, Jonathan, 1992 )
Todo fan de la Velvet Underground , y me refiero a fans de verdad, los que pensamos que fue la mejor banda de rock de la historia y jamás se nos ocurriría decir que Loaded es su mejor disco, tenemos una interrogante vital: ¿Cómo debió ser haber visto a The Velvet Underground en su momento?. ¿Qué emoción provocaría? ¿Que clase de intransferible éxtasis debieron sentir los pocos privilegiados que vieron la Velvet sabiendo que estaban viendo algo realmente histórico?. En estos casos las palabras son insuficientes y todos esos testigos rara vez encuentran la manera de como describir la situación. Pero cuando las palabras se agotan empieza al arte. Salvo escuchando algo intoxicado y en loop los piratas de la Exploding Plastic Inevitable nada me llevo mejor a ese momento histórico como esta (simple pero enorme) canción-homenaje de Richman.

They were wild like the USA
A mystery band in a New York way

Rock and roll, but not like the rest

And to me, America at it's best

How in the world were they making that sound?

Velvet Underground.

A spooky tone on a Fender bass

Played less notes and left more space

Stayed kind of still, looked kinda shy
Kinda far away, kinda dignified.

How in the world were they making that sound?

Velvet Underground.

Now you can look at that band and wonder where

All that sound was coming from

With just four people there.


Jonathan Richman vio los históricos shows de la Velvet Underground en el Boston Tea Party de su ciudad natal. Tal como cuenta él, una serie de eventos lo llevaron a estar con ellos en el backstage y poco tiempo después, Richman se muda a Nueva York en donde durmió varias noches en el sofá Steve Sesnick (el manager de la Velvet después de Warhol). Fue testigo de las últimos tiempos de la banda (post Cale, no cuento los Doug Yale years post Reed) incluso yendo a ensayos y compartiendo intimidad con la banda. La canción contiene un fragmento versionado de manera super dulce de la tremenda y ruidosa Sister Ray y como dije, su principal mérito es lograr transmitir lo intransmisible: llevar al oyente por unos instantes a sentir el impacto de ver por primera vez e la mayor banda de rock n roll de la historia


Parties in the U.S.A. (I, Jonathan, 1992 )

So people are staying home more, not having fun,
A cold cold era has begun, has begun,

Now things were bad before, there was lots of loneliness

But in 1965 things were not like this.

When we had hang on sloopy, sloopy hang on,

Oh, oh, yeah, and pa-pa-pa-pa lupe lou.

Shake it shake it shake it lupe. alright.


Quizás por vivir en una ciudad que tiene la nostalgia como institución, siempre detesté la nostalgia. El deseo (siempre inútil) de querer estar en otro lado, sobretodo porque el extrañar “tiempos mejores” es estar reconociendo insatisfacción con la vida la vida presente de uno y al mismo tiempo que no hacer nada para mejorar esa situación, solo sentir ese momento de lamentación patética llamado “nostalgia”. Por eso me llama la atención que me guste tanto Richman, que ha hecho el extrañar otra época de los USA uno de los temas centrales de su obra. Pero la nostalgia de Richman tiene algo de especial, probablemente porque se trata de una nostalgia mas bien inventada, ya que la Norteamérica que Richman extraña es una que probablemente apenas conoció y que solo se encuentra mantenida en algunos lugares aislados del país. Además, si tomamos todas sus canciones que hablan del pasado, vamos a ver que trata de una época imprecisa, que va desde los 40s a los 60s con mucho de idealización y construcción consciente de un paraíso artificial (por ejemplo aquí habla de los 60s, pero cita canciones de los 50s). Quizás su especial ejercicio de nostalgia no este centrado en rememorar inútilmente tiempos pasados (i know we can't have those times back again) sino es un ejercicio de reflexión sobre el progreso y adoración acrítica al avance de los tiempos y los cambios que esto implica. Richman no quiere exactamente vivir en los 50s de nuevo, sino hacernos dar cuenta de algunas cosas que nos estamos perdiendo simplemente por avanzar sin sentido y que ya hemos abandonado solo por ser anticuadas, pero que aún pueden tener sentido ahora en nuestra vida actual. Y mas aun: son necesarias porque nos recuerdan nuestra naturaleza humana esencial.
Cuando Richman canta que quiere mas fiestas en USA, es que quiere fiestas como las de antes. En una estrofa ataca, de una manera muy Richman, las fiestas actuales, sobretodo un enemigo recurrente en el universo Richman: la amplificación del sonido, esa carrera del volumen a la que se entrego la industria del rock a partir de cosas como Led Zeppelin. Grabado en un sótano en California, la canción también ataca toda esa cultura alrededor del entretenimiento cuantitativo: mas gente, mas equipos, mas sonido, mas auspiciantes, mas acumulación sin sentido de records. Richman nos recuerda el espíritu de las fiestas originales, en las que no se necesitaba mucho; solo algunos simples instrumentos acústicos en la playa y una persona real cantando que haga de animador.

People are moving to California
who hate the beach and things,
I think they'd rather watch tv
than hear a real person sing,
Of course nowadays at parties
you got louder stereo equipment,
So now if the parties too loud
it's like a radioactive shipment,
I say nowadays at parties
for example you got louder stereo bass,
So now if the things too loud
it's like a toxic clean up case.
Well nowadays at parties well,
they've got louder stereos right?
So now if it's too loud
it's like a noxious chemical sight.


Además de esto su nostalgia sobre otra época, la tema se gira en la anécdota de la policía interrumpiendo la fiesta de unos amigos en Huntington Beach, (Go home, go home, go home, go home, he said./Go home, go home, go home, and that's no good for.../Parties in the USA) y una duda con que cualquier montevideano que gusten las fiestas se habrá preguntado alguna vez (otra prueba de cómo una obra puede generar reacciones inesperadas de identificación y conexión a pesar de las distancias culturales o temporales) en donde se interroga si capaz no es que las fiestas estén en algún lugar que no conoce:

Could there be block parties of which I don't know?
Maybe they're in neighbourhoods where I don't go.

Could there be all t
hese parties down some little lane
With potato chips sitting there and guitar playing?


De hecho, siempre pensé que una versión en español uruguayo de este tema puede funcionar. Necesitamos mas fiestas, en el Uruguay. Y no solo la ausencia de estas es lo importante de la canción, sino que nos recuerda lo fácil y sencillo puede ser armar una fiesta de verdad.


I was dancing on a lesbian bar (I, Jonathan, 1992)

I was dancing on a lesbian bar parece ser una canción simpática y superficial, que simplemente cuenta una anécdota divertida en de una noche cualquiera en que uno quiere diversión y la termina encontrando en un lugar que no esperaba. En ese manejo típico suyo del inglés , tan claro y cristalino que podría servir para darle clases del idioma a niños, Jonathan nos cuenta que se encontraba en un bar cualquiera, bailando solo aunque algo incomodo por un entorno que le parecía demasiado formal y aburrido. Unos chicos lo invitan a ir a un mejor lugar para bailar, Richman termina en un lesbian bar y lo encuentra mucho más divertido y excitante, con la gente bailando desprejuiciadamente, en lugar de estar mirándose unos a los otros a ver como estaban vestidos.

Well I was dancing in the lesbian bar
In the industrial zone.

I was dancing with my friends
And dancing alone.

Well the first bar things were alright

But in this bar, things were Friday night.

In the first bar things were just alright.

This bar things were Friday night.


OK, la anécdota es divertida y la canción muy pegadiza y es una especie de hit para fans de Richman, pero mas allá del hecho puntual que relata bien podría tratarse de una metáfora de la vida del cantante: la de estar divirtiéndose en un lugar (el mundo del rock) que de alguna manera no era el suyo, pero al que termino prefiriéndolo al “otro mundo”. ¿A que me refiero con el rock no era el lugar de Richman?. Bueno, el rock n roll original que suele existir en el imaginario de Richman no es exactamente el que se encontró en realidad. Los años de dorados e inocentes del primer rock n roll que suele idealizar en muchas de sus canciones (The time of louie louie and little latin lupe lou) no es el sórdido y decadente mundo del rock n roll con el que tuvo que enfrentarse y vivir en los 70s. Tal como es él, siempre añorando al Old Word (la vida familiar, el USA perdido y rural) sin ser drogón, ni rebelde en el sentido convencional rockero del término, Richman termino igual sintiéndose mucho mejor en el mundo del rock que en el mundo de los squares. El mundo del rock también recibió con cariño a este cantautor de apariencia inocente y todos contentos. Richman terminó bailando en el mundo del rock de los 70s por mas que en principio no tenía nada que ver con el. De alguna manera es un canto de cómo uno puede sentirse mas cómodo entre personas que superficialmente pueden parecernos distintas, pero con las cuales en el fondo, estamos extrañamente hermanados.

Ice Cream Man (Modern Lovers Live 1979)

Las personas que no sepan quién es Jonathan Richman y lo único que hayan oído de él es que es un precursor/pionero/antecedente del punk, probablemente al primer contacto con su obra (sobretodo después del primer disco de lo Modern Lovers) no entienda que carajo tiene que ver con el punk. Si uno tiene como referentes a Johnny Rotten o Darby Crash como punks, es difícil entender que mierda tiene Richman que ver con ellos. ¿Este tipo tan buenote y tan apegado a la tradición, ¿qué tiene de punk?.
Bueno, hay varias razones. Hay una razón de tradición histórica, la historia de rock paralelo de fracasados que terminó generando el punk en la segunda mitad de los 70s: The Velvet Underground, Stooges, New York Dolls, Modern Lovers, eran todas bandas adoradas por los punks, por mas que hayan fracasado comercialmente. De hecho generalmente las escenas punks de cada ciudad se formaron por gente que se juntó porque tenían en común ser fan de estas bandas. La ligazón Richman-Velvet Underground es además evidente, tanto por la relación personal de fan cercano (y Cale produciendo a los Modern Lovers luego) como la influencia en su obra. Las pocas capacidades técnicas que eran superadas con creatividad y esa cualidad tan necesaria como intangible llamada “emoción” para suplir eso, es otro punto de contacto que antecede al punk y les sirvió de inspiración. Actitud es la palabra clave acá.
Salvo las canciones del primer disco de los Modern Lovers, la obra de Richman no es oscura a la manera de sus mayores inspiradores la Velvet. Richman tardó un poco en ser 100% si mismo. La Velvet era oscura porque eran de un New York sórdido, que poco tenia que ver con el hipismo que los rodeaba en el mundo. Eran una reacción al flower power. Pero cuando Richman empezó a cantar, el mundo que lo rodeaba era sórdido, y el rock de alguna manera se había velvetizado, así que su reacción a eso fue tratar de no ser como el entorno.
Ice Cream Man es una típica canción del periodo “agradable” de Richman. Habla simplemente de la emoción de sentir al camión del los helados aproximarse. Sin metáforas, es simplemente eso, incluso mas simple y naif que una canción de Plaza Sésamo o algún programa infantil, que probablemente tengan siempre alguna otra intención subyacente. O sea, no es Pity, es aun mas profundo en su simpleza.
En la versión de Modern Lovers Live ocurre una situación y actitud que de alguna manera se puede calificar de punk. Jonathan hace que termina la canción y la recomienza siete veces. Al principio como un chiste festejado por el publico pero luego ya la cosa se vuelve la materialización de un capricho molesto, de poca complacencia con el publico. Recuerdo escuchar este disco de adolescente y tener amigos que les irritaba e incomodaba la situación, por mas que solo estuviesen escuchando el registro de la mima. Estos eran generalmente a los mismos a los que les irritaban los Sex Pistols y pronto iban a dejar de ser mis amigos. Ice Cream Man se convirtió así de una canción súper infantil a una especie de extraño loop molesto y sin sentido.


Don't Let Our Youth Go To Waste (Live At The Long Branch & More, 1972)

La mayoría de las veces, los grandes artistas, no dicen cosas originales y novedosas, simplemente se basan en recordarnos verdades casi obvias, que a veces olvidamos por estar metidos en este lió que es vivir. Don´t le tour youth go to waste es una de esas obviedades que gente como Richman se encarga de recordarnos. Y más si nos lo dice así, con esa voz quebradiza y a capella, que nos recuerda en menos de dos minutos, una verdad tan grande como el universo. Además del mensaje universal que se desprende solo del titulo, la canción específicamente habla mas bien de la relación entre dos personas, y como es general en estos casos en el mundo del Richman, se trata de una desesperada declaración de amor en que la respuesta parece ser mas bien silencio por parte de la chica, a la que uno imagina con tanto quietud como disimulado rechazo (Say something warm,/say something nice /I can't to see you when you're cold). Esta declaración de amor desesperada, muy del primer Richman, es desesperada al máximo, algo medio raro en la época. Porque hay algo de macho digno en cosas como "Hearbreak hotel" de Elvis, pero en esto se muestra en su fragilidad máxima que tiene poco de pose romántica. Se trata de sincerase, de dejar de lado las posturas y sentir honestamente.

Contiene además una de las mas oscuras líneas de la obra de Richman, mucho mas propia de sus comienzos que de su etapa mas mellow:

And I could bleed in sympathy with you
On those days

And I could drink up everything you have

Don't let it go to waste


He tratado de ver que significan estas líneas, a que se refieren exactamente. No he dado mucho con alguna interpretación concreta, aunque creo va por el lado de tener una relación tan estrecha, sin pose, ni mind games, de entregarse completamente, de total cuidado de uno con el otro. Pero me sigue siendo intrigante, no se muy bien que se refiere con estas cuatro líneas.

En fin, dejemos un poco de misterio y no estar todo el tiempo queriendo interpretar todo.